L’Adieu à la nuit – critique

Ca va bientôt faire 3 semaines que je suis pas allé au ciné, ça faisait très très longtemps que je n’avais pas vécu une telle période de disette… Evidemment, la traditionnelle et mollassonne programmation pré-Cannes n’y est pas pour rien. Gloria Bell ? Mouif… mais non. Mais vous êtes fous ? Oooooooooh non.
En lieu et place, je regarde et me passionne pour Game of Thrones évidemment… Et je me suis lancé dans le visionnage de 30 Rock, j’y consacrerai peut-être un billet.

Le seul film que j’avais vraiment envie de voir (Les Oiseaux de passage), je l’ai raté because life.
La franchise me pousse à avouer que je me suis tâté à aller conchier Nous finirons ensemble, juste pour le plaisir de m’énerver et d’en faire un billet mais je m’en tiens à ma résolution cinéma de 2019 : voir moins de merdes. Pas toujours facile, il me démange un peu celui-là… Heureusement, les sorties cannoises auront vite fait d’éloigner la tentation : Jarmusch ! Almodovar ! Les Dardenne ! Et je parle même pas de tout ce qui suivra (Tarantino, Dupieux, Mendonça Filho, Kechiche, Dumont, Bonello etc) et qui fait de cette édition 2019 une édition particulièrement excitante.

Dans ce quasi-marasme précèdent le Festival de Cannes surnage le film parfois maladroit mais touchant d’une valeur sûre du cinéma français : L’Adieu à la nuit d’André Téchiné.

Il y avait pourtant de quoi avoir peur : « Muriel est folle de joie de voir Alex, son petit-fils, qui vient passer quelques jours chez elle avant de partir vivre au Canada. Intriguée par son comportement, elle découvre bientôt qu’il lui a menti. Alex se prépare à une autre vie. Muriel, bouleversée, doit réagir très vite… » (Allociné)

Alerte « sujet de société » : cette « autre vie » à laquelle Alex se prépare, c’est celle de combattant de Daesh puisque lui et sa petite amie prévoient de se rendre non pas au Canada comme ils l’ont annoncé à leur entourage, mais en Syrie.

Flippant sur le papier… Et de fait, L’Adieu à la nuit n’échappe pas à un didactisme très Envoyé Spécial dans la description de la jeunesse radicalisée. Téchiné contextualise, filme avec le plus de frontalité et le moins de subjectivité possible, on sent qu’il veut éviter les facilités et considérations à l’emporte-pièce mais il n’évite pas une certaine lourdeur. La palme revenant sans mal à cet embarrassant montage alterné entre d’un côté, une séquence de repas joyeux et de l’autre, une réunion austère de salafistes hypnotisés par un imam radical.

Heureusement, en réalisateur sensible, Téchiné recentre rapidement son propos sur la relation entre le petit-fils et sa grand-mère et plus précisément sur la véritable lutte que celle-ci va mener pour prévenir le drame. D’abord incrédule puis combative et enfin désemparée (pour dire le moins), sa trajectoire permet au film de surnager et de finalement emporter la mise. Tout comme la Reine Catherine, bien plus convaincante et émouvante en mamie débordante d’amour que Kacey Mottet-Klein en jeune adulte déterminé.

L’Adieu à la nuit va bientôt disparaître des salles, supplanté par les sorties cannoises mais si vous en avez l’opportunité et le temps, pourquoi pas…

Avengers : Endgame – critique

Thanos ayant anéanti la moitié de l’univers, les Avengers restants resserrent les rangs dans ce vingt-deuxième film des Studios Marvel, grande conclusion d’un des chapitres de l’Univers Cinématographique Marvel. (Allocine)

Wow, le pitch officiel est carrément la feuille de route du studio… Flippant mais rien de plus logique finalement puisque les Avengers et les films Marvel sont devenus des produits à part entière, réduisant l’aspect cinéma à la portion congrue.

Ça y est j’enfonce une porte ouverte. Et je fais que commencer… Mais bon, que dire qui n’ait déjà été dit au sujet de LE film événement du moment ? Et que dire que je n’aie déjà dit dans mon billet sur Infinity War ?

Donc, oui, tout ce que vous avez pu lire ou entendre sur Endgame est vrai: ça dure 3h (un peu moins en vrai), c’est une forme de conclusion des 21 films MCU précédents, y a pas de petite pastille post générique (vous pouvez donc vous barrer dès que les lumières se rallument et gagner 10 minutes sur le soulagement de votre vessie) et Brie Larson/Captain Marvel change de coiffure en cours de route (un bon vieux look de soccer mom aussi incompréhensible qu’indéfendable).

J’aurais également pu mentionner la coupe de footballeur de **Jérémy Renner**, à l’extrême gauche.

Et puis comme je le disais il y a 2 ans, c’est pas vraiment du cinéma, c’est un assemblage de scènes très inégales, parfois drôles (merci Thor et Chris Hemsworth, vite, une bonne comédie pour lui svp), parfois pénibles voire embarrassantes (ces longues scènes de dialogues à la fois mal écrites et platement filmées qui sont autant la signature de la franchise que les scènes d’action spectaculaires).

Allez, effectivement, je veux bien concéder, comme on peut le lire assez souvent encore une fois, que la nature conclusive de cet opus lui confère une certaine majesté, une certaine ampleur, à défaut de réelle émotion.

Cette tonalité (relativement) mélancolique, est présente d’emblée puisque un bon quart du film (le premier donc) est consacré au deuil, à l’acceptation de l’inacceptable, au fait que la moitié de la population a disparu, comme ça, en un claquement de doigts, y z’étaient là et puis pouf, y sont plus là. Soit dit en passant, la moitié qu’il a supprimé le Thanos, m’est avis que c’est la moitié laborieuse, les immigrés et le lumpenproletariat parce que 5 ans après le drame, c’est encore le gros bordel on dirait : y a des épaves de bagnoles partout dans les rues, des décombres et des pelouses mal entretenues en veux-tu en-voilà. Bravo les WASPs, bon esprit.

Comme toujours, un visuel DE TOUTE BEAUTÉ.

A part ça ? Pffff… J’ai trouvé ça aussi vain et chiant que plaisant, tout en même temps, ce qui peut être vu comme un genre de prouesse j’imagine. On les sent bien passer les 3h quand même…

A ce sujet, et puisque j’ai rien d’autre à dire, j’ai lu un article qui expliquait quand exactement i.e. à quel(s) moment(s) on pouvait s’éclipser pour aller pisser si on avait une trop petite vessie pour un film de 3h. Ça m’a fait sourire. Encore plus quand j’ai vu le film parce qu’en vérité, on peut sortir à n’importe quel moment tant toutes les scènes se valent, nivelées par cette écriture et cette réalisation sans âme qui ont auparavant nivelé les 21 épisodes précédents (ok, quelques jolies exceptions mais si peu).

C’est tout ?

C’est tout.
De toutes façons, même si on vous disait que c’est nul à chier (et ça ne l’est pas), vous iriez quand même le voir.

El Reino – critique

Manuel López-Vidal est un homme politique influent dans sa région. Alors qu’il doit entrer à la direction nationale de son parti, il se retrouve impliqué dans une affaire de corruption qui menace un de ses amis les plus proches. Pris au piège, il plonge dans un engrenage infernal… (Allociné)

El Reino fait partie de ces films tellement limpides et transparents, qu’ils n’offrent que peu de prise à la critique ou à l’analyse. Ca pourrait être une critique justement, mais non : j’aime bien quand un film est clair dans ses intentions, dans son exécution, son discours et quand celui-ci est digne d’intérêt, eh bien bravo tout simplement.
Donc, et comme on peut le lire dans tous les papiers au sujet du film, El Reino raconte, façon thriller, la chute d’un secrétaire de parti avec le vent en poupe, dont le rôle dans une affaire de corruption va révéler une gangrène endémique et nationale.

Avec sa tronche de mec lambda un peu faux-derche qu’on sent prêt à vendre sa famille pour 3 churros et 2 chorizos, **Antonio de la Torre** est parfait dans ce rôle.

La chute de Manuel López-Vidal, sa course contre la montre pour, d’abord passer entre les gouttes puis, devant l’ampleur de ce à quoi il s’expose, ne pas tomber tout seul, est traitée précisément comme telle : une course contre la montre, effrénée, haletante. Personnages/caméra en mouvement perpétuel, montage cut, musique proto-techno omniprésente (un peu trop à mon goût mais c’est un vrai choix de mise en scène, parfaitement justifié). C’est d’une cohérence et d’une rigueur scientifiques.

2 points ont particulièrement attiré mon attention : on ne sait jamais ni de quel parti il s’agit, ni dans quelle ville/région l’action se situe (même si une scène dans le dernier quart laisse penser qu’il s’agit de Saragosse et de l’Aragon) : le but de Rodrigo Sorogoyen (déjà réalisateur du très bon polar Que dios nos perdone en 2017) est de dénoncer la Corruption avec un grand C, dans quelque parti que ce soit, à quelque niveau que ce soit. Non parce qu’évidemment, tout cela est basé sur des faits réels : ces dernières années, les scandales de corruption ont éclaboussé la vie politique espagnole presque quotidiennement.

Le personnage/acteur à droite est génial aussi, une tronche et une gouaille de malade.

Le 2ème point concerne la distance de l’auteur vis à vis de son personnage principal : trop éloigné, Sorogoyen (réalisateur et auteur du scénario) le condamnerait sans ambages et ça serait pas très intéressant (puisqu’on sait dès le début que le mec est un ripou, pas la peine d’insister); trop proche, il l’humaniserait, il nous ferait entrer en empathie avec lui, avec un sale type. Or, ici, il me semble qu’on est toujours à bonne distance: bien sûr, on ressent de l’excitation lorsque López-Vidal cherche les preuves, les bonnes personnes etc, que le temps presse, mais uniquement parce que nous sommes emportés par le maelstrom de ses actions et par le mouvement de la mise en scène, pas parce qu’il est le héros auquel on s’identifie.

J’ai d’abord eu une grosse réserve sur la toute fin. Difficile d’en parler sans spoiler mais j’ai pensé que Sorogoyen avait dépassé les bornes, franchi le Rubicon de la démagogie. Mais non, je ne crois pas : dans une séquence aussi virtuose que prenante (difficile d’en parler etc), il finit par abattre le 4ème mur pour nous donner son opinion sur le sujet qu’il a traité, tout en donnant une voix à ses spectateurs.

J’ai également vu Simetierre dont je vais dire quelques mots rapido car ça mérite pas un billet à part entière : c’est pas impérissable mais ça remplit son office et même un peu plus. Intrigue bien ramassée, rythme soutenu sans frénésie et surtout un petit goût de transgression (les enfants…) qui fait bien plaisir ma foi. Quelques jump scares superflus, c’est dommage. C’est vraiment LE fléau des films d’horreur contemporains les jump scares.

Blanche comme neige – critique

Claire, jeune femme d’une grande beauté, suscite l’irrépressible jalousie de sa belle-mère Maud, qui va jusqu’à préméditer son meurtre. Sauvée in extremis par un homme mystérieux qui la recueille dans sa ferme, Claire décide de rester dans ce village et va éveiller l’émoi de ses habitants… Un, deux, et bientôt sept hommes vont tomber sous son charme ! Pour elle, c’est le début d’une émancipation radicale, à la fois charnelle et sentimentale… (Allociné)

Il s’agit donc d’une d’une adaptation, ou d’une mise à jour, d’une réinterprétation, appelle ça comme tu veux, du conte de Blanche Neige. On y retrouve par conséquent une version contemporaine de la nanophile la plus célèbre du monde (Lou de Laâge), de la reine (Isabelle Huppert) et des 7 nains (Damien Bonnard x 2, il interprète des jumeaux, Jonathan Cohen, Vincent Macaigne, Benoît Poelvoorde, Pablo Pauly et Richard Fréchette). Certaines situations rappellent celles du conte, en plus de la trame principale. Voilà. C’est nul.

Enfin, « c’est nul »… Ca se regarde, en faisant preuve d’indulgence, essentiellement parce que
1. Lou de Laâge est très régulièrement à poil
2. les acteurs, notamment les 3 plus extravertis (Cohen, Poelvoorde et Macaigne) font leur petit numéro habituel et qu’ils le font bien
3. Lou de Laâge est très régulièrement à poil.

Désolé mais bon, c’est d’une paresse… Ca se veut probablement un peu transgressif, j’ai par exemple lu quelque part qu’il s’agissait d’une version érotique du conte des frères Grimm, ou encore d’une « comédie coquine » (AU SECOURS) mais purée que c’est clicheteux, prévisible et bourgeois…
C’est pas désagréable ceci dit : j’ai une faiblesse coupable pour le cinéma français un peu bourgeois et pantouflard, pour ces films qui flirtent avec le cinéma de Chabrol sans arriver à la cheville de sa maîtrise, de son intelligence et encore moins de son caractère subversif et transgressif et qui ressemblent donc davantage à des téléfilms de luxe. J’ai l’impression que c’est le terrain sur lequel évolue souvent Anne Fontaine.

Qu’est ce qu’elle a fait de bien finalement, de vraiment bien je veux dire ? Nettoyage à sec ? Ca a plus de 20 ans… Mon pire cauchemar, avec, déjà, Poelvoorde et Huppert était pas mal… En faisant preuve d’une certaine indulgence là encore. Anne Fontaine tourne des films qui pourraient être des films du milieu (des films d’auteur populaires) mais dont le résultat n’aboutit qu’à des films au milieu, qui obtiennent tout juste la moyenne, parfois un peu plus, parfois un peu moins. Blanche comme Neige ne déroge pas à sa règle.

Mon inconnue – critique

Du jour au lendemain, Raphaël se retrouve plongé dans un monde où il n’a jamais rencontré Olivia, la femme de sa vie.
Comment va-t-il s’y prendre pour reconquérir sa femme, devenue une parfaite inconnue ? (Allociné)

J’ignore ce qu’il en est du public mais la critique a ménagé un accueil très favorable à la-nouvelle-comédie-romantique-française-qu’on-sait-faire-comme-les-américains-maintenant-t’as-vu: c’est mérité. Mon Inconnue est une vraie bonne comédie romantique i.e. qui respecte le cahier des charges du genre tout en faisant preuve d’intelligence, d’à propos et de ce soupçon d’originalité qui lui permet de se distinguer. Très bien et très finement mené, le récit culmine dans une conclusion à la fois attendue et surprenante. C’est bieng.

C’est bieng mais si tu connais un peu le blog et le vieux con qui se cache derrière, t’as compris qu’y a un truc qui va pas. Et qui suis-je au fond pour te contredire ?

En effet, y a un truc qui va pas : dans « comédie romantique », y a « comédie » au sens littéraire et grec de « happy end » mais également à celui de « on a ri, MAIS ON A RI ! » Et justement, j’ai pas beaucoup ri moi. C’est fâcheux… Oui, ok, c’est mignon, le sidekick (Benjamin Lavherne) joue bien son rôle de sidekick et de comic relief mais j’ai trouvé ça trop mignon, trop propre. J’aurais aimé plus de mordant, de malice dans les vannes, les répliques entre les 2 potes, les inévitables situations embarrassantes dans lesquelles les personnages se trouvent parfois. Mon vrai comic relief est venue de Camille Lellouche, excellente en petite amie boulet.

A ce moment là, je me suis souvenu ce que je me suis dit quand j’ai vu défiler le générique à la charte graphique très Instagram : ça m’a un peu fait peur pour la suite. J’avais tort : le film vaut mieux que ça encore une fois, il est très réussi. Mais, malgré tout, il a un insupportable petit côté ta-bite-a-un-goût, édulcoré, vannes proprettes et inoffensives. J’allais dire que c’est un détail mais une comédie romantique devant laquelle je ris peu, c’est un petit peu embêtant quand même.

#nofilter #instalove #ilovecamarque #ilovemylife #weekenddereveavecmondoudoudamour

Bon, tant qu’on y est, je poursuis au rayon pinaillage : Joséphine Japy. Oh elle joue très bien, elle est mignonne comme tout, parfaite pour ce type de rôle mais simplement, ce nom, « Joséphine Japy » : j’y crois pas. Je visualise les cuirs un peu cheap Japa ou encore une marque de chaussures discount : « vos pieds sourient en Japy ! ». Je visualise la Halle aux Chaussures, pas une actrice craquante de comédie romantique. C’est qu’elle est incontestablement pendant 2h mais voilà, je suis superficiel et je bloque sur des détails. Mais à part ça, c’est très bien , allez voir le film.

Critiques en vrac 2

La flemme de rédiger des billets uniques sur chaque film vu.

Us

Autant j’avais trouvé Get out relativement drôle, maling, bien fichu (même si, au final, terriblement surévalué), autant j’ai trouvé celui-ci complètement raté. C’est bien simple, pour moi, rien ne fonctionne : ni le versant horrifique/slasher ni le versant « politique », totalement nébuleux. De mon point de vue, Jordan Peele s’est laissé piéger par les éloges reçus pour son 1er film et s’est donc embarqué dans un récit d’une ambition et d’une ampleur qu’il ne maîtrise pas. Que nous dit-il ici ? Un truc sur les masses laborieuses qui finiront un jour par prendre le pouvoir ? A moins qu’elles soient déjà parmi nous, infiltrées ? Je suis pas sûr… Et je m’en fous en vérité : j’ai (encore) perdu 2h de mon temps, ça m’a suffisamment gonflé pour que j’ai déjà rayé ce film de ma mémoire.

C’est ça l’amour

Un film proche de Nos batailles, substituant à l’arrière-fond soci(ét)al une étude plus proche de l’os des sentiments de son personnage principal (Bouli Lanners, superbe). C’est d’ailleurs lorsque le film fait quelques incursions un peu volontaristes et artificielles sur le terrain du sociétal que le film est le moins convaincant selon moi (la diatribe sur les difficultés des employés de la fonction publique ou le « message » pro-LGBT). Du coup, c’est sur la longueur que le film l’emporte, de la même manière que le personnage interprété par Bouli Lanners parvient à trouver nouvel un équilibre avec le temps. Le dernier tiers et la conclusion sont très émouvants.

Boy Erased

Alors ça c’est vraiment mauvais. On y trouve un intérêt, pendant une grosse moitié, devant son aspect documentaire, fasciné/révulsé que l’on est par la description de ce lieu pratiquant les conversion therapies : ni plus ni moins qu’un centre de lavages de cerveaux/torture psychologique (et/ou torture tout court) censé guérir de l’homosexualité (par la religion, bien sûr, le film se déroulant en Arkansas, état phare de la Bible Belt, ce regroupement d’états américains encore gouvernés par les préceptes chrétiens fondamentalistes). L’intrigue est située dans les années 2000 mais l’actualité nous rappelle chaque jour que cette Amérique réactionnaire, intolérante, ultra-religieuse (et homophobe au dernier degré donc) est bien vivante puisqu’elle est au pouvoir dans de nombreux états et, pour partie, à Washington. Donc ça, ça va, au moins on s’ennuie pas. Mais alors quand il s’agit de faire du cinéma, c’est terrible : ralentis, musique larmoyante, coups de force scénaristique putassiers et empruntés au pire de Vol au-dessus d’un nid de coucous ou du Cercle des poètes disparus, une horreur. Y a même Xavier Dolan dans un second rôle, c’est pour te dire. A noter enfin que Russel Crowe et Nicole Kidman (interprètes des parents du héros, lui-même joué par Lucas Hedges) ont préparé le film dans la symbiose la plus parfaite puisque le bide du premier a siphonné toute la masse graisseuse de la seconde. De la belle ouvrage.

La Lutte des classes

Ratage bis : comme pour le film ci-dessus, je m’y attendais… Certes, Michel Leclerc (réalisateur du Nom des Gens) soulève un problème aussi crucial que 2019 (celui de la mixité sociale, en gros) et il a le mérite d’apporter, parfois, un point de vue nuancé, voire pertinent. Mais il le fait à la truelle, de manière profondément caricaturale, donnant l’impression que le scenario a été écrit par les Têtes Raides, assistés de Lune et Albert, producteurs de quinoa dans une ferme alternative de Lozère.
Autre gros problème selon moi : Edouard Baer batteur de punk rock/gaucho/rebelle perpétuel, on y croit pas une seconde. Baer est un grand bourgeois, un dandy et le voir jouer les insurgés rentre-dedans sonne profondément faux. Il n’est pas un acteur de composition, ça ne fonctionne tout simplement pas. Après, oui, il a une belle complicité avec Leïla Bekhti, on sent bien qu’ils se connaissent par coeur.

Une intime conviction – critique

Depuis que Nora a assisté au procès de Jacques Viguier, accusé du meurtre de sa femme, elle est persuadée de son innocence. Craignant une erreur judiciaire, elle convainc un ténor du barreau de le défendre pour son second procès, en appel. Ensemble, ils vont mener un combat acharné contre l’injustice. Mais alors que l’étau se resserre autour de celui que tous accusent, la quête de vérité de Nora vire à l’obsession. (Allociné)

On a beaucoup parlé, en ce début d’année, de L’Heure de la sortie, du Chant du loup et de Grâce à Dieu, 3 belles réussites, dans des genres et des styles différents, d’un cinéma français éclectique, exigeant et populaire à la fois. Marquent-ils un retour des « films du milieu », ces films à la fois grand public et d’auteur, des « films populaires à prétention artistique, dont le budget est moyen », pour reprendre les termes exacts de Pascale Ferran qui a contribué à populariser le terme ? Il faut l’espérer car je suis persuadé qu’il y a toujours un créneau, et donc un public pour des films qui ne sont ni des productions Marvel/des comédies lénifiantes, ni de véritables films d’auteur réservés à un circuit dédié et à un public averti. Je peux aussi bien apprécier un blockbuster hollywoodien qu’un film d’auteur japonais mais ma génération et moi avons grandi cinéphiliquement parlant avec ces films du milieu, notamment français j’y suis très attaché (je mets par exemple dans cette catégorie les films de Claude Chabrol récemment évoqués).

Tout ça pour dire qu’aux 3 films cités en préambule, il faut en ajouter un 4^ème dont on a, j’ai l’impression, moins parlé. Est-ce parce qu’Une intime conviction, premier film d’Antoine Raimbault, est basé, au plus près, sur le second procès dont a fait l’objet Jacques Viguier, accusé d’avoir fait disparaître son épouse Suzanne, autrement dit sur un fait divers ? C’est le vernis Faites entrer l’accusé du film qui rebute un peu ?

C’est dommage… D’une parce que là où certains voient seulement un film basé sur un fait divers, le fait divers en question, fascinant et romanesque à souhait, aurait en d’autres temps (ou en d’autres contrées cinématographiques ?) fourni la matière à un polar passionnant et/ou à un thriller haletant…

Ainsi, ça n’est évidemment pas un hasard si, dès l’entame de ce second procès, Antoine Raimbault choisit de reprendre les propos du juge qui interroge Jacques Viguier sur les similitudes de son histoire avec un ou plusieurs films d’Hitchcock (professeur de droit, Viguier est également passionné de cinéma) : sa mise en scène, effectivement haletante, son discours sur la Justice, sur le storytelling, sur la place du spectateur, tout renvoie au cinéma du maître du suspense. Il faut ainsi revenir sur son idée géniale et qui a présidé à la conception du film : tout est véridique, tous les personnages sont réels, tous les propos prononcés ont été retranscrits le plus fidèlement possible, à l’exception de ceux du personnage de Nora (interprété par Marina Foïs) totalement fictif. Ce personnage, central, catalyseur des événements, c’est bien sûr le spectateur. Voir, encore une idée géniale, comment Nora se voit contrainte de suivre une audience cruciale pour la suite du procès, non plus depuis la salle comme elle a en pris l’habitude, mais depuis une petite salle attenante et donc… sur un écran.

Il y aurait encore beaucoup à dire sur la réussite éclatante d’un film qui, par sa maîtrise, la place qu’il accorde au spectateur et son côté rouleau-compresseur-sans-répit, m’a pas mal fait penser à Jusqu’à la garde, cet autre superbe film du milieu (il faudrait parler des acteurs aussi, tous remarquables).

Olivier Gourmet is Maître Dupond-Moretti

Un ami professeur de français et cinéphile sensible a dit tout ce que ce film possède de remarquable dans un superbe billet publié sur sa page Facebook. Il m’a autorisé à le partager ici, qu’il en soit à nouveau remercié. Et félicité car il dit mieux que je ne pourrais le faire ce qui fait d’Une intime conviction un des meilleurs films de ce début d’année. Il ne joue plus dans beaucoup de salles, dépêchez-vous d’aller le voir !

Merci Xavier donc, voici le lien vers son texte :

Posted by Xavier Ranaivoson on Monday, March 4, 2019

Captain Marvel – critique

Captain Marvel raconte l’histoire de Carol Danvers qui va devenir l’une des super-héroïnes les plus puissantes de l’univers lorsque la Terre se révèle l’enjeu d’une guerre galactique entre deux races extraterrestres. (Allociné)

A chaque nouvelle livraison Marvel, je me pose les mêmes questions et je me fais les mêmes réflexions que j’ai pues formuler dans mon billet consacré à Thor : Ragnarok ou à Avengers Infinity War. C’est ce que je trouve de plus intéressant au final dans cette « franchise » : comment accueillir ces films quand on est cinéphile, quelle sera (ou quelle est, déjà) leur influence sur la production de films, le comportement des spectateurs etc.

Quand tout va bien (Thor: Ragnarok), ou que tout n’est pas à jeter (Avengers Infinity War), j’arrive à trouver des raisons d’espérer, je parviens à relativiser (car, dans mon esprit, les Marvel partent toujours avec des points de débours, ils doivent se donner du mal pour inverser la tendance).

Quand ça se passe mal en revanche…

Captain Marvel n’est pas détestable : c’est simplement un mauvais blockbuster de plus, un produit sans âme, sans personnalité, qui déroule pour la énième fois son petit programme à base de fish-out-of-the-water, de héros (héroïne en l’occurrence) trop fougueux(se), trop tu-dois-apprendre-à-canaliser-ton-énergie-petit-padawan. C’est d’une paresse sidérante mais c’est pas grave au fond, ou peut-être que si justement mais en tout cas, on s’est résignés depuis longtemps.

Au bout de 15 minutes pourtant, très rapidement donc, ça m’a fatigué, et je me suis fait cette réflexion, basique certes, évidente sans doute, voire complètement porteouvertenfoncéienne mais j’avais plus que ça en tête : c’est un film de bébé. Un film de bébé pour les bébés que nous sommes. Sans saveur, sans aspérités. Faut surtout pas risquer de perdre qui que ce soit en route. Et puis regarde, y a pas de hasard si on s’attarde 2 secondes sur les bandes annonces avant le film : Alex, le destin d’un roi variation teen sur le mythe d’Excalibur et la légende du Roi Arthur. After, variation teen de 50 Shades of Grey. Puis Mon bébé (carrément ! Ca s’invente pas…), la nouvelle MILF-teen comédie de Lisa Azuelos (« 10 ans après LOL » nous annonce-t-on en préambule. Et parenthèse dans la parenthèse, ça s’annonce grandiose, un candidat très sérieux au Flop 2019). Et enfin Shazam, variation teen sur l’univers des super-héros. Une variation teen d’un film teen quoi : à ce niveau là, j’ai plus les mots…

Je te vois venir : je suis allé voir Une intime conviction dans la foulée. Pas le même genre de film, pas du tout le même public évidemment (j’étais quasiment le plus vieux pour Captain Marvel, quasiment le plus jeune pour celui-là) mais EXACTEMENT les mêmes bandes-annonces avant le film. Tout simplement parce que c’est ça, le cinéma grand public aujourd’hui dans sa grande majorité : des films de bébé.

J’ai pas eu une épiphanie, je sais que c’est la règle depuis très longtemps à Hollywood : on produit avant tout pour un public adolescent. Et c’est pas grave : je continuerai d’aller voir des « gros » films car je suis toujours optimiste et désireux de tomber sur une bonne surprise. J’irai même voir Avengers Endgame dans quelques mois. Mais Captain Marvel est typiquement le genre de film qui me fait maudire George Lucas et Steven Spielberg d’avoir changé la donne à la fin des années 70 en donnant la priorité à ce public de teenagers.

Concrètement, rien de grave encore une fois : Captain Marvel est juste mauvais, avec des scènes d’action sans relief, une écriture d’une paresse insigne, des vannes inoffensives et qui tombent à plat, en plus d’être prévisibles.
J’avoue, ça m’a peut-être aussi simplement déprimé d’être désormais suffisamment vieux pour que « ma » décennie, celle durant laquelle je suis devenu adulte, les années 90 (le film se déroule dans leur 1ère moitié), soit à ce point devenu une source de nostalgie lucrative pour les nouveaux nababs d’Hollywood : la bande originale aligne consciencieusement les tubes indie-rock de l’époque, d’Elastica à Garbage en passant par Nirvana ou Hole, en plus du t-shirt Nine Inch Nails porté par Brie Larson, et des constants clins d’oeil amusés à la technologie dépassée et donc tellement amusante de l’époque. Des clins d’oeil gratuits, jamais (ou presque) valorisés par une véritable recherche créative ni même une contextualisation au sein de l’intrigue. Des clins d’oeil pour des clins d’oeil (d’ailleurs on voit aussi bien des affiches pour le Mellon Collie and the Infinite Sadness des Smashing Pumpkins, sorti en 1995, que pour le Rid of Me de PJ Harvey sorti en 1993).

Heureusement, le final (le dernier quart on va dire) relève un peu le niveau : le côté nanaresque du film n’est plus seulement involontaire et s’affiche avec décomplexion (bien vu Just a Girl de No Doubt sur la scène de fight libératrice) en même temps que le discours féministe (joli « I’m kind of done with you telling me what I can’t do. »). Et puis l' »avènement » ou la « révélation » à elle-même de Carol Danvers, sa prise de possession pleine et entière de tous ses pouvoirs, sa transformation totale et définitive en Captain Marvel, a quelque chose de grisant, il faut bien l’avouer.
Disons qu’au petit jeu, inévitable, de la comparaison avec l’autre film de super-héros « girl power » (Wonder Woman, de la crémerie DC Comics d’en face), Captain Marvel l’emporte sans forcer. Mais putain, c’est pas glorieux…

Critiques en vrac

Bon, ça aura duré 2 mois, c’est pas mal quand même. Mais voilà, la vie, l’envie, font que j’ai fini par un peu délaisser le blog et donc par laisser tomber la promesse que je m’étais faite de consacrer un billet à tous les films que je verrais en salle. A tous les films et à tous les livres puisque je me suis remis à lire avec avidité, c’est sans doute la meilleure décision que j’ai prise depuis que j’ai renoncé à m’inscrire dans une salle de sport.

Alors je vais faire ça viteuf, histoire de, malgré tout.

Grâce à Dieu

J’ai une relation compliquée avecle cinéma de François Ozon, dont j’aime beaucoup certains films, et dont certains autres me donnent envie de le dénoncer aux autorités compétentes (son précédent par exemple, le ridicule L’Amant double). Mais voilà, régulièrement, le mec calme tout le monde avec une œuvre… indiscutable j’ai envie de dire : Grâce à Dieu est de celles-là. C’est fort, car l’histoire l’est et qu’Ozon la raconte avec une rigueur quasi-documentaire, qu’on ne lui connaissait pas, et c’est fort, car il construit son film de manière géniale, en accordant toute son attention à un personnage (celui interprété par un Melvil Poupaud très « passion Barbour »), pour finalement le délaisser au profit d’un autre (Denis Ménochet), puis d’un 3^ème (Swann Arlaud). Il le fait en douceur, dans un glissement harmonieux, sans que les 2 personnages occultés lorsque le 3^ème apparaît n’aient quitté notre esprit, et sans que, une fois les 3 héros/victimes réunis, on ait jamais le sentiment d’une construction classique et un peu facile de film-choral.

Ecriture remarquable donc, pour un film qui au final est tout autant un équivalent français à Spotlight (le scandale mis à jour très factuellement) et Zodiac (l’obsession de la vérité qui ronge, le Mal qui gangrène plusieurs personnages), qu’une remarquable et sensible étude de caractères. C’est même un film assez parfait en vérité.

Le Chant du loup

Curieux film, à la fois prévisible et inattendu dans le paysage du cinéma français. Vrai film d’action sans action, ou presque, et sans psychologie (ouf), il semble surfer avec brio sur le succès et la réussite du Bureau des Légendes : oui, on peut rivaliser avec Hollywood sur le terrain du suspense haletant, du moment qu’on ne reste pas sur le même terrain et qu’on utilise d’autres armes. Une réussite donc, malgré quelques maladresses et une utilisation assez curieuse de la musique (la 1^ère scène avec Mathieu Kassovitz…).

Celle que vous croyez

Je regrette de pas avoir davantage de temps ni d’envie à consacrer au blog car ce film mériterait un billet à part entière. Plus encore que Doubles vies, qui fait davantage pitié qu’autre chose à force de banale médiocrité, j’ai accueilli Celle que vous croyez comme mon premier vrai mauvais film de 2019. Une catastrophe de chaque seconde ou presque, de la graine de nanar, un nid à frissons de la honte, yeux roulés vers le ciel et soupirs exaspérés. J’ai failli me barrer au bout d’une demie-heure et comme souvent en pareil cas, j’ai eu tort de ne pas le faire. On parle quand même d’un film où le personnage interprété par Juliette Binoche
– tape « insta » dans Google parce qu’elle sait pas ce que c’est « insta »
– danse les yeux fermés
– se caresse dans sa voiture avec son « amant » à l’autre bout du fil

Tout ça dans la 1ère demie-heure hein. Costaud.

Pour terminer, je note que les 2 seuls films de 2019 que je n’ai vraiment pas aimés jusqu’ici (Doubles vies et Celle que vous croyez donc), sont 2 films consacrés à notre monde moderne de nouvelles technologies/omniprésence des rézosociaux, sur lequel ils posent un regard aussi largué que bourré de lieux communs.

Happy Birthdead 2 You – critique

Alors que Tree pensait s’être définitivement débarrassée de celle qui voulait sa mort et qu’elle file le parfait amour avec Carter, elle se retrouve projetée dans une dimension parallèle à notre monde. Elle doit désormais affronter des fantômes de son passé et de nouveaux ennemis… (Allociné)

Happy Birthdead avait été une des bonnes surprises de 2017 : sans prétention, drôle, malin, intelligent même, on avait là un film qui l’air de rien, parvenait à une fusion quasi-parfaite du slasher et d’Un jour sans fin. Film sans doute hyper rentable, une suite était à prévoir.

Et quand on voit le résultat, on peut légitimement se demander si la suite n’avait pas été en réalité prévue dès le départ. Voire même si elle n’a pas été tournée EN MEME TEMPS que le 1. Ce qui, contrairement aux apparences, n’est pas du tout une critique. Au contraire : Happy Birthdead 2 You (habile) déploie la même énergie, le même enthousiasme, la même douce euphorie que son premier volet. Avec une intrigue bien nawak comme il faut, bien torchée-en-2-2-entre-2-partis-de-jeux-videos : après être tombée dans une boucle temporelle dans laquelle elle se faisait tuer à la fin de chaque journée, Tree retombe dans une boucle temporelle dans laquelle elle se fait tuer à la fin de chaque journée, dans une dimension parallèle. Gaspar Noé nous aurait pondu un truc aussi paresseux, j’aurais pas eu de mots assez durs mais il est bien trop prétentieux pour accoucher d’un truc aussi couillon.

Je vais être honnête : je suis moins enthousiaste cette fois qu’après le 1. Essentiellement parce qu’Happy Birthdead 2 You ne bénéficie plus de l’effet de surprise mais aussi, tout connement, parce que les 2 films se suivent de très près (moins de 2 ans entre les 2).

Je pinaille : le 2 est aussi fun, couillon et malin (oui, encore, mais c’est l’adjectif qui qualifie le mieux le film selon moi) que le 1. Avec en outre une petite pointe d’émotion supplémentaire, via le dilemme auquel est confrontée Tree (sans trop vouloir spoiler, elle revit cette fois la même journée dans un monde dans lequel sa mère est toujours vivante), et la réponse, intelligente, que le film y apporte.

C’est vraiment une chouette franchise, foncez si vous avez aimé le 1. Oui, une « franchise » : sans surprise, le 3 est probablement en route (soyez pas un connard qui se barre dès que le générique de fin commence, c’est tout ce que j’ai à dire). En route ou déjà tourné ?