Top 10 2007-2017

Bertrand Bonello s’est récemment prêté au jeu du top 10 sur la décennie écoulée. Le voici:

Beau top, qui lui ressemble. J’aime beaucoup certains de ces films.
Pas mal de monde lui a emboîté le pas, voici le mien, avec des liens pour les films dont j’ai parlé sur le blog:

SupergraveGreg Mottola (2007)

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Frangins malgré euxAdam Mac Kay (2008)

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SteakQuentin Dupieux (2007)

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2 automnes, 3 hiversSébastien Beitbeder (2013)

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Mes meilleures amiesPaul Feig (2011)

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Les Beaux GossesRiad Sattouf (2009)

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OSS 117 : Rio ne répond plusMichel Hazanavicius (2008)

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A bord du Darjeeling limitedWes Anderson (2007)

Un Monde sans femmesGuillaume Brac (2012)

The DescendantsAlexander Payne (2011)

 

J’aime les comédies (et je vois trop peu de films asiatiques).
J’ai volontairement omis des films qui m’ont beaucoup marqué ces dernières années (The Hateful Eight, La Sapienza, The Strangers et quelques autres) par manque de recul: je ne les ai vu qu’une fois. Plusieurs films de 2016 pourraient d’ailleurs entrer dans la liste (The Strangers et The Hateful Eight mais aussi Elle, Julieta et Rester Vertical. 2016 était vraiment une année exceptionnelle pour moi!) mais j’ai besoin d’un minimum de recul pour faire d’un film un classique.

En tout cas y aurait pas de comédie sur ces 3-4 dernières années, ça c’est sûr: l’âge d’or de la neo-comédie est révolu.

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Happy Birthdead – critique

Prisonnière d’une boucle temporelle, Tree, étudiante, revit sans cesse le jour de son meurtre. Une journée apparemment banale qui s’achève systématiquement par sa mort atroce. Finira-t-elle par découvrir l’identité de son tueur ? (Allociné)

Mais mais mais… c’est vachement bien ça !

J’ai pas trop le temps mais je tiens à bafouiller quelques mots pour parler de ce film à côté duquel il est facile de passer en raison d’un titre aberrant (c’est vrai que Happy Birthdead c’est vachement plus compréhensible et vendeur que le titre original, Happy Death Day…), et d’un positionnement slasher/teen movie prompt à n’attirer que les ados tout en faisant fuir les cinéphiles.

Et de fait, ils sont bien là les teens quand je rentre dans la salle: ça sent cette inimitable odeur qui n’appartient qu’à eux, mélange d’hormones, de fluides corporels et de Mac Do. Plus le pop corn qu’ils s’envoient à une vitesse et dans des quantités hallucinantes. Bilan, je suis le plus âgé de la salle, de loin.

Si Happy Birthdead se révèle davantage qu’un teen movie, il en remplit néanmoins le cahier des charges: le campus, les sorority houses, les grosses soirées, les bimbos, les biatchs, les nerds, y a tout ce qu’il faut, pas de problème. Mais ça va au-delà. Et cet au-delà, c’est bien sûr le pitch qui lui permet d’y accéder.

« Se lever. Vivre sa journée. Se faire tuer. Recommencer. » dit l’affiche. Ca te rappelle Edge of Tomorrow qui lui même te rappelait Un jour sans fin? C’est normal car c’est exactement ça, avec un soupçon de Destination finale pour l’inventivité/l’inéluctabilité des conclusions intermédiaires et successives.

De rigolo/fun, Happy Birthdead passe très vite à malin/stimulant, d’autant qu’il ne cherche jamais à louvoyer et à finasser par rapport à son modèle, bien au contraire. Tree, l’héroïne du film, passera ainsi par exactement les mêmes étapes que Phil Connors (Bill Murray dans Un jour sans fin): l’incrédulité puis la sidération, la panique, l’exaltation, l’euphorie pour enfin accéder à la sagesse. Et elle le fera de la même manière, en apprenant à s’oublier pour s’ouvrir aux autres.

De la même manière, son actrice principale (Jessica Rothe, que je découvrais), est à la fois la quintessence de l’héroïne de teen movie et son dépassement: parfaite fusion Britney Spears / Blake Lively / Eliza Dushku (ça a dû Sopaliner sévère dans les chambrées après le film), elle révèle au fur et à mesure que le film avance et se densifie, une palette nettement plus intéressante que ce à quoi les premières minutes nous ont préparé, avec notamment un sens de la dérision des plus réjouissants.

Bilan, encore: un vrai bon moment, une Séance Parfaite en vérité, pour un film nettement plus intéressant qu’il ‘y paraît et qui parlera tout autant aux geeks fans de slashers, qu’aux cinéphiles amateurs de théories sur le film d’horreur ou aux ados en quête de comédie romantique.
A voir sans restriction donc.

Santa & Cie – Avant-Première Gaumont Toulouse

Rien ne va plus à l’approche du réveillon : les 92 000 lutins chargés de fabriquer les cadeaux des enfants tombent tous malades en même temps ! C’est un coup dur pour Santa (Claus), plus connu sous le nom de Père Noël… il n’a pas le choix : il doit se rendre d’urgence sur Terre avec ses rennes pour chercher un remède. À son arrivée, il devra trouver des alliés pour l’aider à sauver la magie de Noël. (Allocine)

Au bout du compte, et même si tout ce qu’il a fait ne restera pas dans les annales, je réalise qu’Alain Chabat fait partie des membres de la périlleuse catégorie « héros de mes jeunes années » qui ont très bien vieilli. Peut-être pas aussi bien que Clint Eastwood mais mieux que Morrissey par exemple.

Même si on comprend bien qu’il s’agit d’un « film pour enfants », j’avoue, j’ai ri en voyant la bande-annonce de son nouveau film, Santa & Cie. Du coup, j’ai pas hésité quand j’ai vu qu’il venait le présenter à Toulouse en compagnie de son interprète principal, Pio Marmaï, un type/acteur que j’apprécie également beaucoup. Le type qui vous parle lui, est quand même un type qui fait partie des premiers téléspectateurs/fans d’Objectif: Nul et qui tire encore une fierté un peu conne du souvenir de sa participation en tant que candidat au dernier projet collectif des Nuls, le Zouzouk, sur Europe 1. Les Nuls et moi, j’en ai parlé ici.

J’arrive 20 bonnes minutes avant le début de la séance et la salle est déjà quasiment pleine. Mais les organisateurs ont triché: d’abord prévue dans la plus grande salle du complexe, la séance a été transférée dans une autre nettement plus modeste.

Santa & Cie, le film d’abord : tout à fait conforme à ce que suggère la bande-annonce, c’est une chouette comédie familiale, plutôt destinée aux enfants/jeunes ados, mais avec un quota de bonnes vannes suffisant pour que les parents/fans historiques des Nuls y trouvent leur compte.

J’avoue, encore, j’ai eu très peur au début : chez le Père Noël (interprété par Chabat donc), dans des décors très Grinch/Elf/Charlie et la Chocolaterie, on a droit à un festival de répliques/jeu de mots un peu bébé sur le thème de Noël, du genre « faut se sortir les doigts de la hotte », « t’es beau comme un traîneau », « vous me faites tous skier!! », « lutin! » à la place de « putain » etc. J’avais du mal d’autant que la salle surjouait l’enthousiasme (un peu la règle dans les avants-premières) : une salle qui rit fort lorsque s’affiche « D’après une histoire vraie » après le générique d’intro, elle surjoue, y a pas débat.

Et puis suite à une tuile susceptible de remettre en cause la livraison de jouets à tous les nenfants, le Père Noël se retrouve à Paris, rencontre le personnage de Thomas (Pio Marmaï) et sa petite famille, et là le film décolle. Il est bien fichu, bien rythmé, malin, mignon et surtout, ne s’adresse plus qu’aux seuls enfants.
Toujours aussi généreux, Chabat laisse beaucoup de place à ses comparses (Marmai mais aussi Golshifteh Farahani, interprète de son épouse, ou Johann Dionnet, qui joue son frère) et à des cameos ou seconds rôles plus que sympathiques: le fidèle Jean-Pierre Bacri, Patrick TimsitThomas VDB mais surtout David Marsais et Grégoire Ludig aka le Palmashow, qui, non contents de voler toutes les scènes dans lesquelles ils apparaissent, volent quasiment le film.
Chouette comédie donc, qui devrait faire un petit carton.

Santa & Cie, la rencontre ensuite : à l’issue de la projection, Alain Chabat et Pio Marmaï se sont donc prêté au petit jeu des questions-réponses avec le public. Accueillis très chaleureusement, ils ont assuré le spectacle avec un professionnalisme jamais visible et une bonne humeur manifeste, notamment Pio Marmaï, très en verve et très drôle.

Alain Chabat nous a ainsi appris que le film que nous venions de voir n’était en réalité pas la version définitive (il l’a estimée à 95%), en raison de petits ajustements nécessaires sur les effets spéciaux (rien remarqué) et le mixage (là en revanche oui, mais rien de gênant). Il a l’air vraiment cool ce mec, il m’a fait la même impression que lorsque je l’avais rencontré pour l’émission de radio des Nuls: doux et attentif. En plus d’être naturellement drôle évidemment.

Pio Marmaï lui nous a confessé, à ma grande surprise et déception je dois bien l’avouer, que Cédric Klapisch faisait partie de son top 3 des meilleurs réalisateurs avec lesquels il avait travaillé (en compagnie de Chabat, évidemment, il allait pas le laisser de côté, et de Pierre Salvadori, pour un film à sortir en mars 2018). Il s’est vraiment mis le public dans la poche (si tant est que ça fut nécessaire) avec des interventions très drôles et pleines d’à propos. Il est un peu râblé mais beau et charmant, il doit choper le salaud: y avait gros moyen avec ma voisine qui a fait tout son possible pour se faire remarquer (on était plein centre au 2ème rang), qui en a fait des caisses quand elle a posé une question et qui s’est ruée sur lui pour une photo à l’issue de la rencontre.

Sinon, il faut croire que le public de l’AP de Marie-Francine faisait exception car comme pour le film de Klapisch, on a eu droit à des questions pertinentes et/ou sympathiques pendant une généreuse demie-heure.

L’inévitable fun fact de la soirée est survenu en conclusion lorsqu’un spectateur s’est tcharrément levé pour poser sa question, puis s’est tcharrément invité sur scène, puis a tcharrément pris Chabat dans ses bras, puis tcharrément Pio Marmaï, dans ce qui était tcharrément (?) une espèce de sketch très gênant et très pas drôle destiné à le mettre en valeur (il a dit être comédien). Personne savait trop où se foutre et là encore, Marmaï, qui en menait pas large devant une stage invasion manifestement pas prévue, a fait preuve de ses qualités de showman pour désamorcer la situation.

Très bonne et sympathique soirée donc, je pense qu’on est pas nombreux à avoir pensé le contraire. Y a même moyen que j’aille revoir le film à sa sortie le 6 décembre. Tcharrément.

 

Thor: Ragnarok – critique

Privé de son puissant marteau, Thor est retenu prisonnier sur une lointaine planète aux confins de l’univers. Pour sauver Asgard, il va devoir lutter contre le temps afin d’empêcher l’impitoyable Hela d’accomplir le Ragnarök – la destruction de son monde et la fin de la civilisation asgardienne. Mais pour y parvenir, il va d’abord devoir mener un combat titanesque de gladiateurs contre celui qui était autrefois son allié au sein des Avengers : l’incroyable Hulk… (Allociné)

Quelle étrange expérience… L’impression à la fois d’avoir assisté à la mort du cinéma tout en ayant pris un énorme pied devant un truc un peu dingue.

Y aurait beaucoup de choses à dire, par où commencer ? Par le plus important: le film est réalisé par Taika Waititi, auteur-réalisateur néo-zélandais débutant à Hollywood mais collaborateur des géniaux Flight of the Conchords et réalisateur du non moins génial Vampires en toute intimité. Je l’ignorais avant de voir le film, ça aurait pu un peu m’y préparer.

Car très vite (tout de suite en réalité), on est surpris par le ton adopté. Ca vanne sec. Et ça vanne bien: dérision, second degré, Thor : Ragnarok est davantage une comédie qu’un film de super-héros en réalité. Et une bonne comédie, donc.

Comment les fans, les lecteurs du comics s’entend, le prennent-ils? On est en droit de se poser la question (en tout cas je me la suis posée) tant la tonalité n’est pas celle à laquelle on s’attend a priori. Thor (excellent Chris Hemsworth décidément doué pour la comédie) n’est plus seulement inadapté à la vie sur Terre (de toutes façons le film ne s’y déroule pas donc exit toutes les vannes du registre « fish out of water »), il est surtout à la fois maladroit et ironique, il perd son gros marteau bien dur, se fait couper les tifs etc. C’est toujours un héros, pas de doutes là dessus et on est ni dans l’iconoclasme ni dans la parodie mais j’imagine que ce genre de libertés prises avec le personnage et sa mythologie doivent chagriner les gardiens du temple.

Après…
Bon, je vais enfoncer une porte grande ouverte et dont les gonds ont été arrachés depuis longtemps mais j’ai rarement eu autant l’impression de me trouver devant une sorte de non-film, de négation de ce qu’un cinéphile est supposé attendre d’une oeuvre cinématographique, de caricature de méchant-blockbuster-hypertrophié-que-y-a-rien-de-bio-et-de-bon-dedans. C’est la norme hollywoodienne désormais, je le sais bien mais là ça m’a vraiment… choqué. Les acteurs évoluent sur des fonds verts majoritairement (enfin, je suppose), et quand ça n’est pas le cas, il s’agit de décors complètement abracadabrantesques et probablement dispendieux.  Y a de quoi financer 30 ans de cinéma français avec ce truc sans déconner…
Et malgré ça, c’est réconfortant de se dire que ce qu’on retiendra de Thor : Ragnarok, ce sont les dialogues, répliques et punchlines qui se succèdent avec brio, avec une science et un rythme réellement bluffants. Autrement dit, ce qu’on retiendra de ce film, malgré les millions de brouzoufs déboursés et balancés sur l’écran, c’est le texte et sa mise en scène.

Et qui a-t-on casté pour évoluer devant ces décors ridicules, devant ses fonds verts? Des bons (Mark Ruffalo, Tom HiddlestonJeff Goldblum) voire des grands acteurs (Idris Elba, toujours aussi beau et bon même dans un rôle de Moïse super cheap, Cate Blanchett, magnifique en super villain super badass, mi-égérie emo, mi-reine maléfique).

Je trouve ça dingue et génial à la fois qu’on se soit pas contenté de prendre des acteurs bankable et à belle gueule ou fort potentiel physique si je puis dire, mais plutôt des acteurs aussi flamboyants et/ou subtils.

Quoiqu’il en soit, tout ça m’a donné le sentiment de me trouver devant un film assez unique, en son genre déjà (le « film Marvel« , un genre à part entière désormais), mais aussi tout court. Je me suis marré, souvent et beaucoup (putain l’accent australien de Korg, quelle trouvaille !) mais je me suis surtout interrogé, dans le meilleur sens du terme, sur la nature exacte de cet objet à la fois hyper formaté (ça reste un blockbuster avec son quota obligatoire de boum-boum et de grand 8 visuel) et presque subversif (dans son refus de pencher vers le blockbuster boum-boum justement).

Je vais aller plus loin et faire preuve de mon habituel sens de la mesure: l’an dernier j’avais été scotché par la forme de Rester Vertical, un film qui ne ressemblait (et ne ressemble d’ailleurs toujours) à aucun autre, eh ben cette année ça sera Thor: Ragnarok soit un film américain, au budget indécent et à l’horrible plan marketing, son exact opposé. Bim.

Jeune femme – critique

Un chat sous le bras, des portes closes, rien dans les poches, voici Paula, de retour à Paris après une longue absence. Au fil des rencontres, la jeune femme est bien décidée à prendre un nouveau départ. Avec panache. (Allociné)

La scène de danse (avec malus réhabilitation-de-chanson-populaire-pourrie) est devenue un passage obligé de tout 1er film français et/ou de tout film français plus ou moins d’auteur (voir tout récemment encore dans Un beau soleil intérieur). Jeune femme échappe à la règle: il en compte 3 (la 1ère survient au bout de 10 petites minutes). C’est dire si le film est caricatural.

Jurisprudence Nick Hornby: elle danse LES YEUX FERMES

Et caricatural, il l’est, énormément, pendant sa première heure, alignant avec une rigueur quasi scientifique tous les clichés, toutes les scories du premier film d’obédience pialato-cassavetienne: personnage principal borderline censé être attachant (spoiler: elle est juste insupportable), interprété par une jeune actrice qui monte (Laetitia Dosch, dont on voit mal comment elle pourra échapper au César du meilleur espoir féminin), ancrage naturaliste, filmage au-plus-près-des-corps etc etc.

Bon, c’est un premier film, il est caricatural encore une fois, et même s’il est pas mignon et pas sympa, il a l’air sincère donc je veux bien être indulgent. Je suis bien luné, je suis au ciné au lieu d’être au bureau, confortablement installé et je mentirais si je disais que j’ai pas souri à 2-3 reprises.

Mais durant la dernière demie-heure, soit durant le money time, celui où il faut tout donner pour emporter la mise, il aligne tout aussi consciencieusement 3 moments de bravoure à l’envers, comprendre 3 gros frissons de la honte (que je ne dévoilerai évidemment pas) qui le font passer de « caricatural » à « embarrassant ». Le fragile équilibre (selon moi) qui a jusque là fait tenir Jeune femme, se brise irrémédiablement et je ne vois plus qu’un film prévisible, conformiste (conforme à ce qu’on attend d’un premier film français en 2017 s’entend), pénible, j’en passe. Il refuse certaines conventions certes (celles du feelgood movie girly pour faire court) mais seulement pour en adopter d’autres.

C’est donc une déception car je le sentais plutôt bien. Et j’insiste pas car le film a été très bien reçu, la critique est plus qu’élogieuse. « C’est pas toi, c’est moi » on va dire.

Logan Lucky – critique

Deux frères pas très futés décident de monter le casse du siècle : empocher les recettes de la plus grosse course automobile de l’année. Pour réussir, ils ont besoin du meilleur braqueur de coffre-fort du pays : Joe Bang. Le problème, c’est qu’il est en prison… (Allocine)

Alors oui, L’Atelier, oui, Detroit, et ça fait du bien de voir de vrais bons films parce que je vais être honnête, je me fais un petit peu chier au ciné cette année. Enfin, j’exagère, disons que je trouve cette année très en-deçà de la précédente.
Mais OUI Logan Lucky parce que ça fait BEAUCOUP de bien de voir un vrai bon film qui en plus d’être intelligent et moins léger qu’il n’en a l’air, te colle le sourire de la première à la dernière seconde.

La bande-annonce est transparente, les premiers échos le confirment et on le constate soi-même très vite: Logan Lucky est bien un Ocean’s Eleven chez les rednecks. Le film a quasiment le même pitch, adopte la même structure et on pourrait s’amuser à lister les clins d’oeil voire les redites (la scène de l’explosion « clé », celle censée faire sauter la banque au sens propre par exemple). Mais Soderbergh est évidemment trop intelligent pour s’en tenir à ça : il y fait non seulement référence directement, s’exonérant par là même et avec malice de toute accusation de paresse ou de manque d’inspiration mais son film est une sorte de remake-reboot un peu différent, un peu à côté.

Et ce « à côté » c’est évidemment le « chez les rednecks » qui permet d’y accéder en offrant non seulement un cadre et une tonalité différents (plus cocasse) mais surtout en substituant au glamour de l’original une tendresse de tous les instants.

Pas de démagogie ni de condescendance : là encore Soderbergh est trop intelligent, trop fin pour ça et s’il ne cède pas à la tentation de la « glamourisation » des couches populaires (la proverbiale coolitude de l’Americana dont on a soupé), il ne se fout pas de leur gueule non plus. Oui, certains sont un peu limités (les 2 frangins de Daniel Craig) mais on en sourit plus qu’on s’en moque et ils ont toute leur place dans le plan élaboré par Jimmy Logan, le personnage interprété par Channing Tatum.
Voir également la façon dont le réalisateur traite le concours de mini miss auquel la gamine participe: ça serait tellement évident de pointer du doigt ce truc horrible et qui prête tellement le flanc à la moquerie mais non, pas ici. La gamine participe à un concours de mini miss, point, inutile d’en faire des caisses et de juger de plus haut.

D’ailleurs, petite digression, c’est fou ce que le résumé du film posté ci-dessus peut-être révélateur d’un mépris de classe : pourquoi les 2 frangins seraient « pas très futés »? Parce qu’ils sont issus de l’Amérique des trailers parks, celle qui est envoyée se faire flinguer en Afghanistan ou en Irak? Parce que Tatum interprète un ouvrier, au chômage qui plus est, et Adam Driver un modeste serveur? Parce qu’ils ont toute la panoplie et le background pour incarner l’Amérique qui a voté pour Trump? On comprend très vite qu’il n’en est rien, bien au contraire, et c’est encore à mettre au crédit de Steven Soderbergh, à la fois dans son écriture et dans sa mise en scène.

Quoiqu’il en soit, c’est là que Logan Lucky gagne ses lettres de noblesse et se démarque définitivement d’Ocean’s Eleven: dans le regard porté par Soderbergh sur ses personnages et en particulier sur le rapport touchant entretenu par celui de Jimmy avec sa fille. Là encore, Soderbergh se montre très fin, très sensible. Un autre que lui aurait bien mis l’accent sur LA motivation de Jimmy (sa fille donc) mais pas lui. Il se « contente » de suggérer la relation qu’ils entretiennent, leur complicité, l’importance qu’elle a pour lui etc. J’utilise des guillemets car évidemment, toute la difficulté réside dans cette distance parfaite, dans ce ni-trop-peu-ni-pas-assez si difficile à définir et à trouver.

Soderbergh porte le même regard sur les 2 frères dont on devine encore toute la complicité mais également les non-dits, les épreuves traversées etc. Il y a véritablement quelque chose de Fordien (John, pas Henry ni Tom) dans cette attention jamais putassière, cette empathie pour des personnages issus de ce qu’on désigne parfois en tant que heartland America, soit l’Amérique profonde des prolétaires, bons chrétiens ok mais bons galériens du quotidien surtout, qu’on retrouve également dans les chansons de Springsteen ou de John Denver, chanteur favori de Jimmy Logan.

Tout cela apporte une épaisseur inattendue à ce qu’on imaginait être, et qui le reste d’ailleurs, un vrai feelgood movie dans lequel on se marre beaucoup.
Logan Lucky permet enfin de vérifier que Soderbergh n’a rien perdu de sa coolitude: en témoigne notamment une bo à tomber, entre les petites vignettes composées par le fidèle David Holmes et le choix des titres, en parfaite adéquation avec le cadre, les personnages et l’atmosphère dans son ensemble (John Denver, Loretta Lynn, The Monks, Creedence Clearwater Revival etc.)

Super film, vraiment, et label Séance Parfaite Grande remise obtenu haut la main.

Confident Royal – critique

L’extraordinaire histoire vraie d’une amitié inattendue, à la fin du règne marquant de la Reine Victoria. Quand Abdul Karim, un jeune employé, voyage d’Inde pour participer au jubilé de la reine Victoria, il est surpris de se voir accorder les faveurs de la Reine en personne.
Alors que la reine s’interroge sur les contraintes inhérentes à son long règne, les deux personnages vont former une improbable alliance, faisant preuve d’une grande loyauté mutuelle que la famille de la Reine ainsi que son entourage proche vont tout faire pour détruire.
A mesure que l’amitié s’approfondit, la Reine retrouve sa joie et son humanité et réalise à travers un regard neuf que le monde est en profonde mutation. (Allociné)

Quelques mots sur un film que j’ai beaucoup aimé car j’ai l’impression de ne parler que de films que je n’ai pas aimés (c’est pas qu’une impression en réalité).

J’ai beaucoup aimé mais honnêtement, c’est pas extraordinaire. Voire (très) moyen. Confident Royal est essentiellement un beau livre d’images, un film de vieux, un scone très goûteux certes, mais un scone. Seulement voilà: j’adore les scones, j’adore l’Angleterre, l’Histoire de l’Angleterre, avec une prédilection pour la période victorienne donc j’ai un faible pour ce type de meringue cinématographique (pas la même période mais cette année j’ai aussi beaucoup aimé My Cousin Rachel par exemple). C’est mon côté vieille anglaise comme me le dit régulièrement un collègue.

Je grossis le trait: c’est pas un chef d’oeuvre mais c’est pas honteux non plus. Disons que si on y va pour une leçon d’Histoire et/ou de cinéma… bah vaut mieux pas y aller en fait (on nous prévient d’ailleurs d’entrée que des libertés sont prises quant à la réalité historique).

Mais c’est pas honteux, sans doute parce que c’est réalisé par Stephen Frears, qu’on ne présente plus et dont le savoir-faire n’est plus à démontrer: c’est peut-être pas un génie mais c’est le genre de mec qui n’a jamais réalisé un mauvais film (enfin, il me semble). On peut toujours compter sur lui pour donner du rythme, croquer des personnages avec justesse, insérer une certaine ironie voire un certain esprit critique et c’est exactement ce qu’il fait dans Confident Royal: il privilégie nettement la relation entre les 2 personnages/acteurs principaux (d’ailleurs le film s’intitule simplement et logiquement Victoria & Abdul en version originale) mais ne se prive pas d’égratigner l’Angleterre coloniale ni les pédants pique-assiette qui composent la cour de la reine Victoria (excellente Judi Dench évidemment, nettement plus charmante que son modèle).

Après, ce qui est intéressant je trouve, c’est précisément que Frears réserve ses piques aux membres de la cour, pas à la reine elle-même, pour laquelle il montre de la bienveillance, voire de la tendresse (le poids de l’âge, de la fonction, la capacité à s’ouvrir à l’autre et à une culture, un monde, qui lui sont inconnus etc.). Déjà dans le très bon et sous-estimé The Queen, qui s’attardait en grande partie sur la relation entre la reine Elizabeth et Tony Blair, il racontait comment ce dernier, farouchement anti-monarchie et bravache lorsqu’il arrive au pouvoir, s’est peu à peu considérablement adouci jusqu’à montrer beaucoup de respect voire une certaine fascination pour sa reine.

J’ai l’impression (mais ça n’est peut-être qu’une impression) que Frears a un peu suivi le même cheminement: il a commencé en adaptant des écrits d’Hanif Kureishi ou Joe Orton (My Beutiful Laundrette, Prick Up Your Ears), des œuvres et des auteurs plutôt marginaux et subversifs, un peu dans la lignée des angry young men des années 50 et en phase avec le rock indé des années 80, puis il a peu à peu évolué jusqu’à réaliser un film tel que Confident Royal (sans qu’on puisse pour autant lui reprocher d’avoir retourné sa veste, c’est là qu’on voit que le type est fin quand même). Un film dans lequel on retrouve d’ailleurs une autre figure un peu énervée de l’Angleterre des années 80-90, le comique Eddie Izzard, interprète du fils de Victoria qui lui succédera et deviendra Edouard VII.

A croire que dans chaque anglais sommeille une vieille anglaise qui ne demande qu’à se révéler.