Game Night – critique

Pour pimenter leur vie de couple, Max et Annie animent un jeu une nuit par semaine. Cette fois ils comptent sur Brooks, le frère charismatique de Max, pour organiser une super soirée à thème autour du polar, avec vrais faux malfrats et agents fédéraux ! Brooks a même prévu de se faire enlever…. sauf qu’il reste introuvable. En tentant de résoudre l’énigme, nos joueurs invétérés commencent à comprendre qu’ils se sont peut-être trompés sur toute la ligne. De fausse piste en rebondissement, ils n’ont plus aucun point de repère et ne savent plus s’il s’agit encore d’un jeu… ou pas. Cette nuit risque bien d’être la plus délirante – et la plus dangereuse – de toute leur carrière de joueurs… (Allociné)

Déception : Game Night est régulièrement vantée comme la meilleure comédie de l’année mais j’ai trouvé pour ma part qu’elle révélait une impasse, celle de la comédie américaine actuelle, après des années fastes.

Le pitch est malin et bien développé, suivant le principe de l’effet boule de neige : une fois la machinerie lancée (Kyle « FILF » Chandler se fait enlever non pas par des gens de l’agence qui organise la game night, mais par de vrais méchants à qui il doit du fric), les scènes et les situations s’enchaînent sans temps mort, bien rythmées, bien montées, parfois réellement surprenantes. Et on sait l’importance du rythme et du montage dans une comédie.

Le hic pour moi c’est que l’humour ne repose quasiment que sur le seul principe du commentaire sarcastique, à tout moment, quelle que soit la situation. Même, voire surtout lorsqu’elle est dramatique. Les personnages, très rapidement croqués et grossièrement caractérisés (le couple de winners forcenés, le dragueur, la cougar etc) ne bénéficient d’aucun développement: ils ont simplement tous une forte propension à se vanner les uns les autres avec le même mordant.

Ce que met en branle et ce que montre Game Night (mais du coup c’est pas inintéressant dans ce que ça révèle sur 2018) c’est un humour, et un monde donc, de smartasses, de gens qui ont toujours la répartie qui tue (ou censée tuer) et qui n’existent qu’à travers leur regard amusé et distancé sur les événements et sur les autres. Un humour dérivé d’internet et des conversations à distance (encore), qui ne connaît pas le drame de l’esprit de l’escalier puisque, séparés des autres par un écran, de téléphone ou d’ordinateur, on bénéficie toujours du confort du temps, du recul, pour la réflexion, la réécriture.

Alors certes, ça fait parfois mouche (ou souvent, selon notre sensibilité), et ce registre humoristique a été popularisé par des gens (Judd Apatow et sa bande) et des œuvres (les séries New Girl et The League sur des modes pourtant très différents) parfois brillantes voire géniales.  Mais lorsqu’il est systématisé comme ici, on (en tout cas « je ») frôle l’overdose et ça révèle selon moi une certaine paresse. D’écriture avant tout, mais aussi de rapport au monde, et aux autres.

J’extrapole peut-être, et je suis sans doute un peu sévère car, encore une fois, c’est vraiment bien fichu en termes de mécanique et régulièrement drôle mais ce constat, celui de personnages et par extension, d’un monde, qui ne sait plus vivre les événements de manière naturelle, constat qui n’est pas nouveau, certes, m’a un peu déprimé.

Brillantissime – critique

J’en vois des merdes chaque année. J’avoue sans mal que j’y prends parfois un certain plaisir (pervers ou masochiste, peu importe comment on le qualifie). Et sans vouloir me dédouaner ni me justifier, j’y trouve un intérêt : à choisir, vaut mieux voir uniquement des bons films évidemment mais je pense que c’est important de voir des bouses de temps à autre, pas trop souvent non plus, faut doser, mais il faut en voir pour pleinement réaliser, ou se souvenir, à quel point c’est difficile de réaliser un film. Avoir quelque chose à raconter, quelque chose de léger ou de grave, de divertissant, d’intime etc., écrire des scènes, des situations, des personnages, des dialogues, choisir toute une équipe autour de soi, des comédiens, les diriger, utiliser (ou pas) de la musique/des chansons etc etc. C’est difficile de tout réussir, et quand on y parvient, ou plutôt quand on constate que le réalisateur ou l’équipe du film, y est parvenue, c’est merveilleux bien sûr, et c’est la raison pour laquelle on continue à aller au cinéma et à aimer certains films avec passion.

Des merdes, j’en vois donc, notamment dans ce genre à part entière qu’est devenu «la comédie française grand public ». Un genre hier régulièrement noble et enthousiasmant, qui l’est de moins en moins malheureusement pour plein de raisons qu’il serait intéressant d’analyser ou de lister mais c’est pas l’objet (perso, je pense que ça a commencé à sérieusement merder lorsque le moindre comicaillon issu de Canal Plus s’est senti pousser des ailes et s’est cru légitime sur  le grand écran).

Toujours est-il que « la comédie française grand public » est devenue tellement merdique dans sa globalité que nombre de papiers ont tenté d’analyser le phénomène. On peut même dire qu’il s’agit désormais d’une des marottes perverses des cinéphiles et cinéphages : jusqu’où peut-on descendre plus bas ? Quand est-ce qu’on va arrêter de prendre les gens pour des cons ? Pourquoi Franck Dubosc n’a-t-il pas les rôles qu’il mérite ? etc etc. Voir notamment l’excellent top réalisé chaque année par les gens de Slate (clique ici), qui permet à la fois de bien choisir les merdes qu’on va s’infliger avec une délectation masochiste, ou à l’inverse qui permet de mettre en lumière des films noyés au milieu du flot de sorties hebdomadaires et/ou qu’on aurait négligé pour délit de sale affiche. C’est par exemple grâce à ce top que je suis allé voir le génial Le Nouveau, une des plus belles réussites de ces dernières années, ou le très sympathique La Colle sorti l’an dernier).

Tout ça pour dire que j’ai eu beau me taper une palanquée de daubasses innommables, j’étais pas préparé à ça : Brillantissime, le 1er film écrit et réalisé par Michèle Laroque.

Honnêtement, j’ai halluciné. Sérieux ! Pour 2 raisons essentiellement.

Tout d’abord, l’ego trip : honnêtement là encore, on peut arrêter de se foutre de la gueule de Tom Cruise, Kanye West, Mariah Carey ou Cristiano Ronaldo parce que c’est des petits joueurs à côté de Mme Baroin. Brillantissime, c’est tout simplement une ode à Michèle Laroque, par Michèle Laroque. Elle est de tous les plans : cheveux attachés, lâchés, robe décolletée, robe de soirée, talons hauts, plats, manteau pied de poule, pyjama etc etc. Tout y passe. D’ailleurs on a droit à une séquence d’essayage de fringues à la Pretty Woman  (ça situe le niveau d’originalité du truc déjà). En outre, ses amis, les gens qu’elle croise dans la rue (à Nice, ville où elle est née et a grandi), les commerçants, tout le monde lui répète combien elle est belle, fraîche, séduisante (je mens pas, c’est dans le film !). Hallucinant. Et du coup le titre prend une dimension intéressante puisqu’il s’agit manifestement de premier degré.

Là par exemple, elle se balade avec des fleurs offertes par les commerçants parce que « tchi’est trop belle ma chériiiiiiie! » Very Dick. Rivers, un niçois lui aussi. Putain de boucle bouclée.

L’autre raison c’est… comment dire… Y a rien dans Brillantissime. Mais quand je dis « rien » c’est vraiment RIEN : je parle pas de tension dramatique ou d’enjeux de quelque nature que ce soit évidemment, on en est pas là, mais pas de gags, pas de répliques, pas de séquence qui fasse non pas mouche, on en est pas là du tout non plus, mais qui suscite un tant soit peu d’intérêt. Rien. Nib. Nada. Ca se résume à une succession de scènes mal écrites, mal filmées, mal jouées (putain, les mecs, les acteurs je veux dire, Kad Merad, Gérard Darmon et Pascal Elbé, ne font AUCUN effort, c’est dingue) qui tombent irrémédiablement à plat. A tel point que c’est ce qui m’a tenu en éveil: « ah c’est fini là, c’était la chute? » « Non mais c’est pas le climax de la scène ça quand même?!  » etc etc.
A un moment, sur les conseils de sa gynéco, ou de sa sexologue, je sais plus, j’ai commencé à plier mon linge à ce moment là parce que faut quand même pas déconner même si ça dure seulement 1h20, elle va s’acheter des sex toys dans un sex shop. Cocasse ! Elle a honte évidemment, alors elle porte un imper avec le col relevé, des lunettes de soleil pour passer inaperçue. Et quand elle arrive à la caisse, elle dit que c’est pour faire une blague à une collègue. Voilà, c’est une scène du film et c’est le gag de cette scène.

Cette scène est particulièrement embarrassante. En vérité, j’ai absolument rien compris à ce qu’elle avait essayé d’y faire.

Je passe sur les incroyables facilités scénaristiques ou les largesses prises avec la vraisemblance: j’en suis pas un forcené et je m’accommode aisément de la convention du grand-appart-sur-l’île-Saint-Louis-payé-avec-un-salaire-de-prof dans les comédies, d’autant plus lorsqu’elles sont réussies. Mais là, non seulement la nana vit dans un T56 à Nice avec vue sur la Méditerranée mais lorsque son mari la quitte (c’est ça le pitch du film: elle se fait larguer à 50 ans, elle doit se reconstruire)… ben rien,  tranquilou, elle a pas besoin de bosser, ou de se remettre à bosser, ou à trouver du pognon, tout roule sans qu’il soit jamais fait la moindre mention des contraintes matérielles. OK, à ce niveau de nullité, c’est un détail mais à ce niveau de nullité, c’est aussi une circonstance aggravante.

Sa fille, qui joue le rôle de sa fille. Auto-fiction ! Et un joli pyjama qu’elle porte A MERVEILLE.

Taxi 5, que j’ai trouvé absolument immonde et devant lequel j’ai rapidement jeté l’éponge, je peux comprendre: y a des nains, des gros, du caca, Gastambide touille tout ça a minima, pour flatter les plus bas instincts de son public mais y a au moins quelques ingrédients, des gags/répliques clairement identifiables, dont on voit bien qu’ils sont censés êtres drôles. Qu’est ce que j’ai fait au bon Dieu ? je ne comprends que trop bien… Mais ici: rien, encore une fois. J’insiste: le néant total ! Bordel, à qui s’adresse ce film ? Qui peut bien trouver ça sympa, mignon, drôle (puisque c’est manifestement ce que cherche à atteindre Laroque)? Qui a aimé ce film ? Sérieusement, à ce stade là, ça m’intéresse. En même temps, après ce que je viens de dire, je comprendrais que vous vous manifestiez pas. Mais si, svp, prenez un pseudo et confiez-vous, racontez-moi ce que vous avez aimé dans ce film. Vous verrez, vous vous sentirez beaucoup mieux après vous être libérés de ce poids.

Françoise Fabian. Ma nuit chez Maud (soupir).

Cerise sur le gâteau: alors que j’étais déjà scandalisé, révolté que des producteurs aient pu accepter de financer un truc pareil (non mais sans déconner hein, ça m’a mis hors de moi !), j’apprends que le film a été (en partie) crowdfundé
Mais putain les gens, merde quoi ! Vous avez filé du pognon à Laroque pour qu’elle puisse monter son ego trip de merde puis vous raquez à nouveau pour aller voir le film ? (puisqu’en contrepartie, y a juste le nom des contributeurs au générique du film). « J’avais envie de créer une communauté de gens qui ne font pas ce métier et les embarquer sur la planète cinéma. J’avais envie de partager ça » a déclaré Michèle Laroque. « La planète cinéma »… Putain, les gens…

Sa fille joue dans un groupe de rock qui ferait passer Calogero pour Iggy Pop. D’ailleurs les gens sont assis dans la salle de concert (véridique).

Avec tout ça, c’est un des films que je retiendrai cette année, avec Phantom Thread, Under the Silver Lake, Mes Provinciales. Mieux : c’est sans doute le pire truc que j’ai vu depuis des années.
Il est possible que j’ai piqué ta curiosité et que tu aies envie de le voir maintenant mais il faut pas : c’est pas Taxi 5 ou Qu’est-ce que j’ai fait au bon Dieu (pour citer à nouveau 2 exemples de comédies édifiantes selon moi), 2 films qu’on peut juger intéressants pour ce qu’ils révèlent de notre époque, de l’humour actuel, de la société française même, pourquoi pas. C’est juste terriblement nul et triste, un long spot d’auto-promo vide et complaisant.

Under the Silver Lake – critique

À Los Angeles, Sam, 33 ans, sans emploi, rêve de célébrité. Lorsque Sarah, une jeune et énigmatique voisine, se volatilise brusquement, Sam se lance à sa recherche et entreprend alors une enquête obsessionnelle surréaliste à travers la ville. Elle le fera plonger jusque dans les profondeurs les plus ténébreuses de la Cité des Anges, où il devra élucider disparitions et meurtres mystérieux sur fond de scandales et de conspirations. (Allocine)

A chaud (je l’ai vu hier), et sachant que c’est un film-labyrinthe, ou un film-oignon, dont il faut (ou plutôt dont « on peut », si on le souhaite), enlever pas mal de couches avant d’atteindre son cœur, ou son essence, mais, encore une fois, libre à chacun de le faire puisqu’on peut tout aussi bien se laisser porter sans chercher à comprendre le pourquoi du comment, un film dense en tout cas, un film qu’il faut laisser décanter un minimum, à chaud donc, petite calotte. Calotette. Plus belle mise en scène de l’année en tout cas, avec le Phantom Thread de Paul Thomas Anderson, qui a dû quitter son Los Angeles natal et fétiche pour lâcher un peu la bride à son cinéma de petit maître.

Tout juste sorti du succès critique (mérité) de It Follows, David Robert Mitchell s’est lui à l’inverse jeté à corps perdu dans Los Angeles, sa mythologie, sa topographie, sa faune. Comme sur l’affiche, il accompagne son personnage sous les eaux mystérieuses du Silver Lake (dans le district du même nom, résidence actuelle de hipsters, célébrités et membres de la communauté LGBT) pour toucher non pas le fond mais les palmiers emblématiques de la ville. Il/elle coule, et nous avec, vers le cœur de Los Angeles en quelque sorte…
Dès les premières minutes, Under the Silver Lake s’impose donc comme un nouveau film-somme et emblématique de la cité des anges, à l’image de ceux auxquels il se réfère constamment. Et que je ne citerai pas tellement la liste serait interminable…

C’est sans doute ce qui m’a le plus impressionné dans le film: j’ai rarement vu une oeuvre alignant aussi consciencieusement les références et les citations, les accumulant soit par la bande, soit par du name-dropping pur et dur, parvenir malgré tout à trouver son propre ton, absolument singulier. Non mais merde, je vais quand même le dire: le mec (David Robert Mitchell donc) parvient à créer un espèce de gigantesque mash up hitchocko-de palmo-polansko-altmano-lynchien (et j’en passe énormément donc) avec une aisance et une fluidité hallucinantes (le rythme est nonchalant, enveloppant). Un film de fétichiste, pour les fétichistes, qui réussit pourtant à créer un nombre incalculable d’images fortes, à la puissance d’évocation assez dingue. Allez, je vais le dire: à ce niveau là (la puissance d’évocation, la croyance dans l’image), ces dernières années, je retiendrai ce film et la saison 3 de Twin Peaks (je les mets pas sur un pied d’égalité, calme toi, je parle simplement de cet aspect là bien précis).

Under the Silver Lake remplit donc pleinement son cahier des charges « film de pop culture sur la pop culture ». La pop (culture), cet immense entreprise de recyclage permanent, cet éternel champ d’emprunts et de répétition, qui réussit pourtant comme par enchantement à se renouveler et à investir de nouveaux domaines, à trouver de nouvelles formes singulières ou de nouveaux chantres, de nouveaux souffles. Le film saisit et retranscrit ça de manière remarquable.

Mais ce film, aussi beau ou aussi pop soit-il, n’est pas qu’un imagier pour geek ou cinéphile hardcore.
En effet, Under the Silver Lake… bah rien du tout, je préfère ne rien dire. Ou pas grand chose : tu auras lu, peut-être, ou deviné, d’après la bande annonce, que l’intrigue est, peu ou prou, celle d’une enquête qui mène son héros de cercle interlope en personnage excentrique (Andrew Garfield, qu’on a d’abord un peu de mal à imaginer en glandeur t-shirt/slim/Converse mais qui se révèle impeccable, comme toujours), le plongeant dans un Los Angeles qui tiendrait à la fois du Grand Nulle Part (Ellroy) et de Mulholland Drive, du Hollywood de l’Âge d’or et de celui plus azimuté de notre époque. Voir à ce titre la fantastique bande originale de Richard Vreeland aka Disasterpeace, qui elle aussi parvient à conjuguer classicisme et modernité, nous emportant dans des océans de corde tantôt romanesques, tantôt angoissants (coucou Bernard Herrmann). Tout ça est vrai, mais c’est plus que ça (heureusement).

Éminemment contemporain dans sa capacité à la fois à formaliser et à théoriser la pop culture donc, Under the Silver Lake parvient également à saisir le monde de 2018 dans sa dimension à la fois ultra-technologique mais également païenne et décadente, voire apocalyptique: lors d’une soirée un personnage mentionne , une auteur de série prodige (elle a 12 ans…) qui selon lui, est celle qui saisit le mieux le zeitgeist, l’air du temps. David Robert Mitchell n’a plus 12 ans depuis longtemps mais il reste un jeune cinéaste (c’est son 3ème film seulement) et le clin d’oeil m’a paru évident. Difficile d’en dire plus là aussi, je préfère que tu vois le film vierge de tout.

J’étais à la fois très excité, très désireux de le voir ce film mais j’y croyais pas complètement: je pensais la marche trop haute pour David Robert Mitchell (Fenêtre sur cour + Le privé + Le grand sommeil + Mulholland Drive +… +…+ ad lib, vraiment?). Mais non, il est bon le con…
A chaud, encore, il me manque une pointe de romantisme, de romanesque, d’émotion tout simplement pour hisser Under the Silver Lake tout en haut de mon top 2018 mais le film parvient à fasciner, à imprimer durablement la rétine. Qu’est ce que ça fait du bien une telle croyance dans le Cinéma…

Budapest – avant-première Gaumont Wilson, Toulouse

Vincent et Arnaud ont beau avoir fait la plus grande école de commerce française, ils s’ennuient ferme dans leur travail. 
L’un, Vincent, travaille avec acharnement pour une multinationale sans aucune reconnaissance. L’autre, Arnaud, stagne dans la société du père de sa femme, Audrey. A l’occasion de l’enterrement de vie de garçon d’un de leurs amis, qui est un vrai échec, ils font la rencontre d’une strip-teaseuse qui leur parle de Budapest. Vincent a alors une idée qui va changer leur vie : créer une entreprise qui organise des enterrements de vie de garçon dans cette ville de débauche, où les boîtes de nuit pullulent, l’alcool coule à flots et la démesure est au rendez-vous.
Après avoir abandonné leur emploi, et emprunté beaucoup d’argent, Vincent et Arnaud se lancent. Avec l’aide de Georgio, un expatrié qui leur a fait découvrir les « trésors cachés » de Budapest, ils créent l’agence de voyage « Crazy Trips ».
Après des débuts hésitants, « Crazy Trips » envoie de plus en plus de clients à Budapest, pour y faire la fête arrosée à la palinka, danser enchaînés à des stripteaseuses, mais aussi profiter de certaines activités offertes par ce pays d’ex-URSS comme conduire des tanks et tirer à la kalachnikov sur des cibles. Mais cette aventure entrepreneuriale va bouleverser l’existence de Vincent et Arnaud. Car cette nouvelle vie entre Paris et Budapest mettra à l’épreuve à la fois leur amitié fraternelle, mais aussi leur couple. Et ils vont se confronter aux risques du métier…(Allociné)

Trop long ce pitch…

En quelques mots pour les impatients : Budapest raconte l’histoire (vraie) de 2 amis qui décident d’organiser des séjours-EVG à Budapest parce que c’est moins cher et donc plus rentable qu’à Paris, Londres ou même Berlin (« c’est Berlin mais gratos! » dit à un moment le personnage interprété par Jonathan Cohen).

On va pas se mentir : malgré toute la sympathie que peuvent inspirer ses 3 interprètes principaux, elle fait peur cette bande-annonce. Genre de Very Bad Trip à la française tro délir, elle laisse en outre craindre sinon une apologie, du moins une utilisation/mise en scène légère de l’un des trucs les plus beaufs et cons devenus à la mode ces dernières années : les « packs » EVG (séjours enterrement de vie de garçon incluant vol, hôtel, activités, beuverie etc etc). Bonus glauquerie si organisé dans un pays de l’Est, avec tout ce que ça implique en termes de fantasmes cheap et malsains.

Mais, justement, il est là le truc : les 3 interprètes principaux. Manu Payet, Monsieur Poulpe, Jonathan Cohen, soit 3 des meilleurs keumiques/acteurs de comédie apparus ces dernières années en France. C’est évidemment pour eux avant tout que je me suis rendu à l’avant-première de Budapest, avec malgré tout l’espoir également que le film ne serait pas

exactement conforme à sa bande-annonce.

Eh ben j’ai pas été déçu : sans être exempte de lourdeurs, longueurs, facilités voire complaisances, Budapest est une comédie qui réserve régulièrement de très bons gags/moments/répliques. Pas tout à fait le véhicule hétéro-beauf redouté donc.

Pas tout à fait mais un peu quand même : Payet (qui a co-écrit le film et devait le réaliser à la base; c’est finalement, et étonnamment Xavier Gens, réalisateur notamment de Hitman, qui s’y est collé) explique à son issue avoir voulu raconter une success story française et ça n’est évidemment pas un hasard s’il a choisi l’histoire des 2 fondateurs de Crazy Nights (rebaptisé en « Crazy Trips » dans le film) plutôt que celle de Michel et Augustin (comme il lui a été suggéré par une spectatrice). Il l’a dit lui-même avec humour et honnêteté, les conflits et enjeux au centre du projet de 2 gars qui montent ce type d’entreprise sont un poil plus intéressants que ceux de 2 types qui se demandent avant tout s’il faut rajouter du beurre ou du chocolat dans leurs cookies.

Donc Budapest se met en mode success story et ne remet pas vraiment en cause le fait que les mecs se fassent du blé en alimentant les fantasmes à base de putes de l’Est (disons les choses comme elles sont) de jeunes mecs en mal de sensation fortes ( ?) … mais un peu malgré tout : c’est là que le film se montre plus fin que ce qu’on peut légitimement craindre à la lecture de son pitch et en voyant sa bande annonce. En effet, cette dernière occulte notamment les personnages des 2 compagnes des héros (excellentes Alice Belaidi et Alix Poisson, interprètes des épouses de Manu Payet et Jonathan Cohen respectivement). Elles apportent constamment un contrepoint aussi salutaire que pertinent, révélateur du fait que les auteurs et le réalisateur ne sont pas dupes ni complices. D’ailleurs, au bout du compte, Budapest ne joue finalement pas tant que ça sur les clichés des bonnasses-du-Danube et c’est évidemment à mettre à son crédit. Voir également la peinture assez fine de l’évolution, en parallèle des 2 couples (même si celle du couple Cohen/Poisson n’échappe pas à certains clichés justement).

J’aurais bien aimé leur poser la question ceci dit, pour avoir le fin mot de l’histoire (au-delà du fait que c’est sans doute un bon terreau pour une comédie, ils en pensent quoi au fond des EVGs de ce genre?), j’étais dans les starting-blocks mais j’étais évidemment pas le seul, tous les spectateurs qui le souhaitaient n’ont pas pu avoir la parole, loin s’en faut.

Ceci étant, fin de la parenthèse fond-du-film: ça reste une pure comédie et dans ce registre seul, Budapest réserve de très bons moments dus notamment à l’abattage, à la complicité évidente et au talent de ses 3 interprètes principaux, encore eux. Comme dans Radiostars ou Situation amoureuse c’est compliqué, autres comédies auxquelles Payet a largement contribué et dans le registre desquelles Budapest se situe par bien des aspects, on sent le mec vraiment à l’aise dans les scènes à 2 ou 3 qui racontent l’amitié, la complicité, à base de petits détails anodins, de petites annotations qui mises bout à bout créent un ton et font la valeur de son écriture. Enfin, tout ça pour dire que le mec a du talent, c’est évident, et qu’il a trouvé en Jonathan Cohen et Monsieur Poulpe (dans un registre davantage électron libre) des partenaires de jeu idéaux.

Bonne surprise donc même si je conseillerais pas le film à tout le monde: c’est parfois très cru, de manière très naturelle d’ailleurs, encore un bon point, mais du coup ça plaira évidemment pas à tout le monde.

Après la séance, Manu Payet et Monsieur Poulpe se sont livrés au traditionnel exercice des questions-réponses avec le public : malgré la lassitude de fin de tournée (qu’ils ont eux-mêmes confessée), ils n’en ont rien laissé paraître et se sont montrés égaux à l’image qu’on peut avoir d’eux à savoir disponibles, drôles, alertes. Ils nous ont même gratifié d’un mini-sketch sur le mode vrai-faux incident en direct live, très drôle. Questions sur le film pour faire gagner quelques cadeaux, vannage des spectateurs, auto-vannage, ils ont fait le show et c’était aussi réussi qu’agréable.

Après 45 bonnes minutes, ils se sont livrés au désormais traditionnel exercice des selfies avec le public. Très pros sans en avoir l’air là aussi.
Chouette soirée donc.

Première année – avant-première Gaumont Toulouse

Antoine entame sa première année de médecine pour la troisième fois. Benjamin arrive directement du lycée, mais il réalise rapidement que cette année ne sera pas une promenade de santé. Dans un environnement compétitif violent, avec des journées de cours ardues et des nuits dédiées aux révisions plutôt qu’à la fête, les deux étudiants devront s’acharner et trouver un juste équilibre entre les épreuves d’aujourd’hui et les espérances de demain. (Allociné)

William Leghbil, 28 ans, joue un gars qui sort tout juste du lycée. OK. C’est un peu moins choquant pour Vincent Lacoste, 25 ans « seulement », qui en outre interprète un triplant.

Véritable avant-première pour le coup puisque Première année ne sort que le 12 septembre. En salle 2, soit la 2ème plus grande du ciné, qui affiche complet: je pensais pas que les 2 comédiens, certes sur la pente ascendante pour l’un (Leghbil) et déjà confirmé pour l’autre (Lacoste) étaient aussi populaires.
Et de fait, ils ne le sont peut-être pas, en tout cas la réponse est en suspens : on apprend assez rapidement qu’une grande partie de la salle est constituée d' »invités », des 1ère, 2ème, 3ème années de médecine qui se sont vus offerts des places.

Le film: sympathique. Dans la lignée d’Hippocrate, dont il pourrait être le prequel, il narre donc les aventures de Benjamin (William Leghbil) et Antoine (Vincent Lacoste), étudiants en 1ère année de médecine (ou « P1 »), qui se mettent en binôme pour tenter de la surmonter voire d’y survivre. Et accessoirement de la réussir.

Car ça rigole pas la 1ère année de médecine, et c’est là que Lilti (médecin lui-même faut-il le rappeler) veut en venir: il se demande même, et nous avec à l’issue du film, si cette véritable épreuve physique, psychologique et nerveuse au sens propre, ne friserait pas l’absurde voire ne serait pas inadaptée à la formation de médecins et personnel soignant digne de ce nom (= sujet de société).

Plus en surface, Première année est une belle histoire d’amitié, un roman d’apprentissage, une réflexion (soft, certes, mais quand même) sur l’inné, l’acquis, le conditionnement social, familial: Antoine (Lacoste) a la médecine dans le sang mais c’est un besogneux et il n’est pas du sérail alors que Benjamin (Leghbil), qui a baigné dans un contexte favorable depuis sa naissance (son père est chirurgien) a des facilités mais pas la vocation. D’ailleurs Bourdieu est cité à un moment et s’il n’est certes « que » cité, c’est bien vu.

Tout ça est propre, bien pensé, bien incarné (les 2 interprètes sont excellents), limpide dans ses intention autant que dans son exécution. Un peu trop même, et c’est la limite du film: aucune ambiguïté ni mystère dans Première année dont le message est univoque. Tout le monde recevra le film de la même manière.
Mais c’est bieng, c’est du cinéma français populaire et intelligent(= petit bonhomme content dans le Télérama de la semaine), soit un truc en voie de disparition depuis des années donc comme pour Hippocrate, on aurait tort de bouder son plaisir.

Le problème ce soir, c’est que la discussion avec Thomas Lilti à l’issue de la projection (Lacoste n’est pas là, ça a été dit d’emblée mais, surprise, Leghbil qui a pourtant été annoncé par le présentateur du Gaumont, n’est finalement pas là lui non plus), ne revêt pas un immense intérêt: il est volubile, passionné et sympathique mais il a déjà tout dit dans son film.

Thomas Lilti est à droite

2ème problème: c’est pas qu’y ait pas mal d’étudiants en médecine dans la salle, c’est qu’ils la composent à 90% (voire plus). Du coup, toutes les questions sont orientées sur la filière, les études, le concours, l’expérience de Lilti en la matière blablabla.
Bon, c’est bien pour eux, j’dis pas mais c’est un peu trop corpo à mon goût et surtout ça cause pas beaucoup cinéma.
Les étudiants semblaient en tout cas unanimes: ils se sont tous parfaitement retrouvés dans le film. Mais, je me répète, je regrette qu’on ne se soit attardé que sur l’aspect documentaire du film en quelque sorte et non son volet fictionnel, voire romanesque, bien présent, et qui lui donne également sa valeur.

A part ça, au 1er rang, un type à la chevelure invraisemblable, entre footballeur ukrainien des années 80 et Jean-Pierre François. Ca m’a fait ma soirée.

L’Homme qui tua Don Quichotte – critique

Toby, un jeune réalisateur de pub cynique et désabusé, se retrouve pris au piège des folles illusions d’un vieux cordonnier espagnol convaincu d’être Don Quichotte. Embarqué dans une folle aventure de plus en plus surréaliste, Toby se retrouve confronté aux conséquences tragiques d’un film qu’il a réalisé au temps de sa jeunesse idéaliste: ce film d’étudiant adapté de Cervantès a changé pour toujours les rêves et les espoirs de tout un petit village espagnol. Toby saura-t-il se racheter et retrouver un peu d’humanité? Don Quichotte survivra-t-il à sa folie? Ou l’amour triomphera-t-il de tout? (Allociné)

Le carton qui ouvre L’Homme qui tua Don Quichotte (je n’ai pas son contenu exact en tête mais en gros: « et après plus de 25 ans, nous y voilà enfin blablabla ») n’augure rien de bon : manière de s’enlever la pression pour la transférer sur les spectateurs (« rendez-vous compte, plus de 25 ans! Gardez bien ça à l’esprit lorsqu’il s’agira de juger le film »), il opère une sorte de chantage affectif assez minable qui m’a bien gonflé. Déjà.

Après… bah, j’ai vite été fixé. Dès les premières minutes en vérité. Du coup j’ai eu plus de 2h pour essayer de me souvenir quand j’avais passé un aussi sale moment dans une salle de ciné : en vain. Honnêtement, je m’en souviens pas. Peut-être Holy Motors et encore. 6 ans et environ 400 films donc.

OK, j’ai jamais été un grand amateur du cinéma de Terry Gilliam dont je sauverais simplement le travail avec les Monty Pythons et, à la limite, Brazil. A la limite. Parce que ça a dû prendre un sacré coup de vieux.

Tout ça pour dire que je ne sauve rien non plus, ou presque, de L’Homme qui tua Don Quichotte,  l’une des plus célèbres arlésiennes du cinéma (qui n’en est donc plus une).

OK, le duo Adam Driver/Jonathan Pryce joue le jeu à fond, se donne bien du mal et s’en tire avec les honneurs. Mais autour d’eux… C’est d’une complaisance, d’une laideur (qu’est-ce que c’est laid nom de Dieu !), d’une facilité sidérantes sur le motif de la réalité et de la fiction qui s’entremêlent jusqu’à la gerbe plus soif. Et qu’on ne vienne pas me parler « d’énergie, de formidable enthousiasme à filmer, de joie de créer » comme j’ai pu le lire chez celles et ceux qui défendent le film : y a aussi beaucoup « d’énergie, de formidable enthousiasme à filmer, de joie de créer » dans les premiers films ratés et irregardables de tous les aspirants cinéastes de la planète. Au niveau desquels je situerais donc L’Homme qui tua Don Quichotte qui restera pour moi comme un énorme ratage et une matérialisation parfaite et définitive de l’expression « tout ça pour ça ».

Sinon j’ai également vu En guerre: médiocre et d’une facilité désespérante lui aussi, il réussit la prouesse, dans son court épilogue, de franchir plusieurs paliers, pour atteindre celui de l’abjection. Costaud.

Death Wish – critique

Quand il ne sauve pas des vies, Paul Kersey, chirurgien urgentiste, mène une vie de rêve, en famille, dans les beaux quartiers de Chicago… Jusqu’au jour où tout bascule. Sa femme est sauvagement tuée lors d’un cambriolage qui tourne mal… Sa fille de 18 ans est plongée dans le coma. Face à la lenteur de l’enquête, il se lance dans une chasse à l’homme sans merci. (Allociné)

Passée la question, non avenue pour cause de réponse trop évidente, du pourquoi un remake de Death Wish en 2018 (parce qu’Hollywood ne sais plus faire que 3 choses, sequeler, prequeler et remaker, voilà pourquoi), la question qu’on est en droit de se poser est « comment ? » : le débat sur les armes à feu et sur le travail de la police, concomitant de celui de l’auto-justice qui préside le film, n’a sans doute jamais été aussi vif aux Etats-Unis, notamment après que les survivants lycéens de la tuerie de Parkland en Floride s’en sont saisi de manière aussi courageuse qu’énergique. Et cette question, traitée, même en creux, par un réalisateur tel qu’Eli Roth, on est en droit d’avoir un peu peur, ou du moins de se méfier. J’ai rien contre lui, même si j’aurais plutôt tendance à le trouver assez puéril, m’enfin, c’est pas le type le plus responsable ni subtil qui soit a priori pour s’emparer d’un tel film et d’un tel sujet.

Quant au pourquoi je suis allé voir ça en pleine période de sorties cannoises : tu veux quand même pas que j’aille voir le dernier Christophe Honoré ? Soyons sérieux.

« Go ahead Christophe, make my day »

Death Wish 2018 donc : passée une ouverture brillante, bien tendue comme il faut (un flic fonce dans le trafic dense de Chicago pour emmener son coéquipier gravement blessé aux urgences) qui pose d’emblée une intéressante question morale (pas de spoiler), le film garde cette même ligne et ce même niveau: à la fois prenant et stimulant, il se révèle étrangement… subtil, je sais pas, mais en tout cas loin d’être con.

Attention: on n’est pas dans un film à thèse (et heureusement) et la position d’Eli Roth quant à la question centrale du film (a-t-on raison, lorsque la police se montre impuissante, de prendre les choses en main et de se faire justice soi-même?) reste en suspens sinon plutôt ambiguë. On peut toutefois accorder à Death Wish une résolution maligne qui lui permet de botter en touche sans avoir pour autant l’air de refuser de répondre à la question.

Quoiqu’il en soit, et même si le film reste un divertissement, Eli Roth (et son scénariste Joe Carnahan) disent et montrent des choses pertinentes sur notre époque, sur l’atmosphère actuelle aux USA et plus particulièrement sur la façon dont les media et les réseaux sociaux s’emparent de ce type d’histoires et de débat. Bien senti.
Voir aussi comment est traitée la, cruciale donc, question des armes à feu, de leur possession et de leur acquisition, à travers le personnage interprété par Bruce Willis, sa position et son évolution à ce sujet dans le film (même si là encore, Eli Roth préserve une certaine ambiguïté, pour ne pas dire plus, mais c’est pour ainsi dire indispensable dans un bon vigilante movie).

Dans le pur aspect « divertissement », Death Wish donne également le change, même si le scénario a du mal à s’écarter d’un sentier forcément et doublement balisé : par l’appartenance à un sous-genre bien précis, le vigilante movie donc, et par sa nature de remake. Il faut donc chercher la subversion dans des petites annotations de sale gosse (la publicité pour le magasin d’armes à feu, l’écran télé lorsque Willis pénètre chez le receleur, etc.) mais aussi dans les dialogues, le montage et le style braillards, impurs d’Eli Roth, dont on sent à chaque instant qu’il est issu du cinéma bis (même, voire surtout dans les scènes classiques et convenues du bonheur familial de la toute première partie).

Un mot enfin sur le beau personnage du frère de Bruce Willis, interprété par le toujours excellent Vincent d’Onofrio (private Whale dans Full Metal Jacket), qui apporte une petite touche émouvante et naturaliste à la fois. Et un mot bien sûr sur Bruce lui-même, toujours minimaliste, impeccable, dont le corps lourd et vieillissant est parfaitement approprié et utilisé.

Je comprends pas que Death Wish se fasse démonter de partout : j’ai vraiment passé un bon moment devant un film à la fois divertissant et loin d’être con, alors que je n’en attendais pas grand chose. Bonne surprise donc.

Avengers: Infinity War – critique

Les Avengers et leurs alliés devront être prêts à tout sacrifier pour neutraliser le redoutable Thanos avant que son attaque éclair ne conduise à la destruction complète de l’univers. (Allociné)

J’allais commencer en posant une question légitime selon moi (« est-ce encore du cinéma? ») et je constate que le pitch « officiel » i.e. celui disponible sur Allociné, fait 2 lignes. Bon.

Et à la fois, le pitch est juste, il dit tout, y a pas tromperie sur la marchandise.

Bon, et donc: est-ce qu’on peut encore parler de cinéma devant un film tel que Avengers: Infinity War ? Si on considère que le cinéma n’est qu’artifice, alors oui, évidemment. On serait même devant un genre d’épitomé… du genre (y a-t-il un seul décor « naturel » dans ce film i.e. autre chose que des fonds verts? Même Édimbourg a l’air étrangement factice.)

Et j’ai aucun problème avec ça, ni avec le tout-spectaculaire dont la série des Avengers (et les films Marvel en général dans une moindre mesure) s’est faite le nouveau parangon. J’ai suffisamment vanté les mérites de certains blockbusters ici-même et puis oh, j’ai pas à me justifier non plus, t’es pas ma mère.

Mon problème avec Avengers: Infinity War est autre mais il est inévitable en un sens, consubstantiel à ce que Marvel construit depuis plus de 10 ans: j’ai eu l’impression de me retrouver devant un gigantesque épisode de série. En effet, le film fait suite aux 2 premiers volets bien sûr, mais également aux autres « épisodes » (tu vois…) de la saga Marvel. Il reprend ainsi les choses très exactement là où Thor: Ragnarok les avaient laissées, il en constitue la suite directe et immédiate.

Mieux : avec sa durée plus-longue-que-la-tienne (2h30 cette plaisanterie quand même), j’ai eu le sentiment de visionner la saison d’une série. Genre 5 épisodes de 30 minutes chacun, bien scandés. Alors ouais du coup, bof bof cette nouvelle saison des Avengers: j’ai bien aimé les 2 premiers épisodes, le dernier aussi mais entre les 2 je me suis un peu fait chier. Comprendre: j’aurais bien sabré 1h ou pas loin…

Après oui, je dis pas, c’est relativement fluide, tout le monde a sa place, son petit moment de bravoure, sa petite réplique qui fait mouche. Et c’est spectaculaire évidemment mais ça c’est quand même le minimum syndical non ? Quoiqu’il en soit, le crossover promis, vendu et priapisé par la geekosphère l’effectue relativement. Nom de Dieu, y a même Peter Dinklage dans un rôle de nain géant (mouarf). Peter Dinklage, de cette série là… Cette série qui depuis 2-3 saisons nous livre régulièrement des épisodes absolument épiques qui n’ont rien à envier aux blockbusters les plus spectaculaires…

Je sais pas, c’est peut-être un débat de vieux con et j’imagine que la grande majorité des spectateurs qui vont prendre un plaisir sincère devant Avengers: Infinity War n’en ont rien à cirer mais des séries qui ressemblent à des films et des films qui ressemblent à des séries, moi ça me chagrine un peu. L’impression que la geekosphère, après la revendication légitime d’une reconnaissance accrue, avait engendré un monstre, mi-cinéma, mi-série donc, mi-noble, mi-impur, qui fait que tout se ressemble, tout se vaut. Peut-être suis-je trop vieux pour ces conneries, tout simplement.

Pour en revenir au film lui-même, la 1ère demie-heure est donc assez cool, entre scènes d’action qui défouraillent bien et dialogues percutants. Dans la lignée de Thor: Ragnarok encore, pour moi la meilleure séquence du film est de loin celle du sauvetage de Thor par les Gardiens de la Galaxie, avec des passes d’armes Chris Hemsworth/Chris Pratt vraiment très drôles.

A vrai dire, je regrette que le film ne se soit pas cantonné à ce registre car après ce cette longue mise en place réussie donc, Avengers: Infinity War se sent comme obligé de densifier son propos, de le rendre plus adulte. C’est ce que je nommerais la « tentation shakespearienne » avec de loooooooongues scènes consacrées à des dilemmes existentialo-familiaux qui pour moi ne fonctionnent pas du tout: les caractères/personnages ne sont pas assez fouillés (et les dialogues pas assez brillants là pour le coup) pour susciter mon intérêt, à défaut de mon émotion. Que BIP soit obligé de tuer BIP pour obtenir BIP et que ça le torture et blablabla, pffffff… Je m’en cogne.

Ce long tunnel adulte et aux aspirations plus classiques est plus ou moins rattrapé par une fin relativement inattendue et j’en dirais pas plus car je me suis promis de pas spoiler. Mais après l’inévitable et attendue pastille post-générique (un générique de 10 mns montre en main, sans déconner…), j’ai quand même envie de conclure sur un « tout ça pour ça ».

Mes provinciales – critique

Étienne monte à Paris pour faire des études de cinéma à l’université. Il y rencontre Mathias et Jean-Noël qui nourrissent la même passion que lui. Mais l’année qui s’écoule va bousculer leurs illusions… (Allociné)

Quelques mots, rapidement encore, pour mettre un peu en lumière un film qui ne doit plus jouer dans beaucoup de salles j’imagine. Et c’est bien dommage car c’est tout simplement l’un des plus beaux de l’année pour l’instant.

Ce qui m’a le plus impressionné dans Mes provinciales, c’est qu’il parvient à la fois à représenter une somme, à plusieurs niveaux, tout en gardant une fulgurance, une fraîcheur, incroyables.

On pense bien sûr « Nouvelle vague » en premier lieu, et on a raison : entre Truffaut, Eustache, Rohmer ou même Garrel, Jean-Paul Civeyrac ne veut pas choisir.

On pense ensuite « roman », au sens large, noble et XIXème du terme: entre Les Illusions perdues et L’Eductation sentimentale, entre Balzac et Flaubert, pourquoi choisir là aussi lorsqu’on a suffisamment de talent pour tout embrasser dans un même élan?

XIXème toujours, Mes provinciales a tout du bildungsroman parfait: le héros qui monte à Paris depuis sa province pour s’y construire une nouvelle vie, plus grande et plus belle que celle à laquelle il était censé aspirer (Etienne, interprété avec le recul et la fausse passivité adéquates par l’excellent Andranic Manet, sorte de fusion Carl Barat/Julian Casablancas), ses amours, ses amis, ses rencontres, sa formation etc. Cette année que l’on passe à ces côtés (le film dure 2h15, indispensable, pas un plan, pas une seconde de trop) va tout lui faire appréhender et bouleverser: les idéaux auxquels on s’accroche coûte que coûte puis les petits arrangements avec soi-même, l’espoir, l’exaltation, l’amour, l’amitié, la Vie, la Mort. Et les illusions perdues, encore.


Si le film est pétri de références, il n’en garde pas moins comme je le disais en préambule, une fraîcheur incroyable: ça n’est évidemment pas dû au seul ancrage contemporain du film (on skype, on visionne les classiques du cinéma russe sur son PC portable), plutôt à l’association de cet ancrage avec un classicisme voire un universalisme évident et assumé, puisque Mes provinciales raconte rien moins que la grâce et le malheur de la jeunesse. Il faut donc aussi évoquer la mise en scène, faite de blocs plus ou moins étirés, qui s’attache toujours à coller au plus près des visages et du texte avec fièvre et douceur à la fois.

Il faut aller voir ce film ultra-romantique, au sens premier et noble du terme là encore, traversé de fulgurances sublimes, porteur d’une ferveur, d’une incandescence dingues (« Chaque jour je vis de foi, de courage et meurs chaque nuit aux feux de l’extase » pour reprendre la citation de Novalis sur l’affiche), et, c’est presque accessoire finalement alors que c’est son point de départ, d’un immense amour du cinéma. Je dis « un des plus beaux films de l’année » mais c’est sans doute un peu plus que ça en vérité.

Red Sparrow – critique

Une jeune ballerine, dont la carrière est brisée nette après une chute, est recrutée contre sa volonté par les services secrets russes. Entraînée à utiliser ses charmes et son corps comme des armes, elle découvre l’ampleur de son nouveau pouvoir et devient rapidement l’un de leurs meilleurs agents.
Sa première cible est un agent infiltré de la CIA en Russie. Entre manipulation et séduction, un jeu dangereux s’installe entre eux. (Allociné)

Ca fait, ou ça va faire 40 ans que je vais très régulièrement au cinéma: mon tout premier film en salles était Bernard et Bianca et je n’ai pas la date exacte mais c’était en 1978 donc voilà. Et depuis 40 ans donc, si je n’ai pas le chiffre ni la moyenne exacte là non plus, je pense que je vais au cinéma au moins 1 fois par semaine. L’arrivée des cartes illimitées, auxquelles j’ai souscrit dès leur apparition, a évidemment contribué à compenser les semaines de disette mais enfin, j’ai le souvenir d’y être toujours allé très régulièrement.

Et depuis 40 ans donc, ou plutôt devrais-je dire « malgré ces 40 ans », j’ai toujours un petit pincement de plaisir lorsque je rentre dans une salle. C’est pas grand chose, et je le vis pas toujours de manière consciente mais même lorsque je ne le réalise pas pleinement sur le moment, je sais que c’est là. Et que c’est bon: ce moment où tu ouvres la porte de la salle et que tu te retrouves dans une sorte de sas de quelques mètres à peine qui te sépare des rangées de sièges, de l’écran, comme une capsule à la fois sombre et silencieuse qui te permet d’opérer la transition entre la vraie vie et ce monde de fiction qui contribue à la rendre plus intense, plus triste, plus joyeuse, plus drôle. Plus belle. Et ça, que j’aille voir Mulholland Drive, Bienvenue chez les Ch’tis ou Red Sparrow, ça ne change pas.

Moins souvent, je me retrouve dans la rue après une séance, je marche, pour rentrer chez moi en général, je pense à mille choses et aucune en particulier, mais  pas au film que je viens de voir. Puis j’ai comme un flash très bref : « ah mais je sors du ciné là en fait ». C’est tout juste si je ne dois pas faire un effort pour me souvenir du titre du film qui vient pourtant à peine de s’achever. Ca, ça m’est arrivé hier soir en sortant de Red Sparrow.

Formulé autrement, mes derniers films vus en salle sont Taxi 5, Place Publique et Red Sparrow donc et ils seront tous les 3 dans mon flop de l’année.

Alors c’est pas horrible, contrairement aux 2 autres, on s’ennuie pas malgré les 2h20 mais un film d’espionnage centré sur la manipulation, la déception, les faux-semblants etc. aussi dépourvu de tension psychologique, sexuelle (malgré la multiplication de ridicules scènes Sopalin autour de Jennifer Lawrence), de suspense, de surprise etc. c’est un genre d’exploit. Un film nul et con, tout simplement.