Flop cinéma 2018

J’ai vu plus de merdes que d’habitude cette année… Mais j’ai également vu plus de films: ça sera donc un looooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooong

bilan ciné.

Brillantissime

Le choc de l’année quelque part. Ici.

Les municipaux

Moins horrible car 1. au moins les gags sont (un peu) construits et clairement identifiés 2. le film n’a pas été crowdfundé. Mais c’est triste putain… Le plus triste c’est qu’ils sont pas méchants Les Chevaliers du Fiel (puisqu’il s’agit de leur film), ils sont même plutôt bienveillants je pense mais leur film est tellement et caricaturalement anti-fonctionnaires qu’il en devient un véritable objet de propagande réactionnaire, pour ne pas dire pire. Sans compter qu’en purs termes d’humour, le film a 50 ans de retard, c’est dingue. Fernand Raynaud, ne revient pas, ils sont devenus toi !

Le 2 a déjà été tourné, avant le mouvement des gilets jaunes. C’est con, on aurait pu avoir droit à une farandole de bonnes blagues sur le sujet.

L’Homme qui tua Don Quichotte

Une horreur. Séance très éprouvante, je regrette encore de pas être sorti au bout de 20 minutes. Ici.

Le Retour du héros

Le film fonctionne, en gros, sur le principe de l’anachronisme ou du décalage langagier : les personnages s’expriment comme en 2018 alors que l’action se déroule début XIXème. J’ai trouvé ça affreusement paresseux et ringard, comme souvent avec Laurent Tirard. Et puis Mélanie Laurent. Bilan, pour la 4ème fois seulement en près de 40 ans de fréquentation des salles de cinéma, je me suis barré avant la fin (au bout de 45 minutes).

Fausse moustache et faux sourire de toutes beautés.

Moi, Tonya

Il y avait sans doute de quoi faire un film autour de la bêtise ordinaire, de la misère intellectuelle, des ravages de l’ambition excessive, et des tas d’autres sujets ou questions soulevées par « l’affaire Tonya Harding » mais le réal a préférer opter pour une sous-Scorseserie cynique et pseudo-cool. Dès lors, comparer ce film au cinéma des frères Coen comme j’ai pu le lire à plusieurs reprises/endroits, c’est vraiment ne rien avoir compris à ce dernier tant Moi, Tonya est dépourvu du moindre sens de l’absurde ou de la moindre empathie. Séance très éprouvante par conséquent, que j’aurais dû abréger dès le premier quart d’heure là aussi tant les premières (mauvaises) impressions n’ont fait que se confirmer.

Climax

« Ouais alors le pitch c’est un groupe de danseurs tu vois. Y a des ckeblas, des reubeus, des pédés, des gouines, et ils font une grosse teuf de fin d’atelier. Y a des bonnes vibes et tout mais y a quelqu’un, on sé pa cé ki, ki met du LSD dans la sangria et là mais truc de ouf quoi ça part en couille mais genre vraiment quoi. Le gros, GROS bad trip. » Gaspar, 15 ans 55 ans. AU SECOURS.

C’est plus ce que c’était les chorégraphies de Kamel Ouali

Beast

Elle est frustrée, bridée par une mère castratrice et un milieu conservateur. Elle tombe donc rapidement sous le charme de cet homme des bois qui vit en marge de la société et de sa petite communauté de l’île de Wight (« qu’est-ce que tu lui trouves ? » lui demande sa sœur, « il sent la bête » qu’elle lui répond. Vraiment.). Donc ils s’aiment : sur des falaises, sous la pluie, au ralenti, avec passion. Elle pleure, elle souffre, au ralenti, toujours. Ca clashe, pas au ralenti cette fois mais le film a l’air de défiler au ralenti lui tellement il est lourd et pénible. L’homme des bois,, évidemment très séduisant, vit en marge : parce qu’il est indomptâble mais surtout parce qu’il est soupçonné d’avoir violé et tué plusieurs adolescentes. Alors, c’est lui le coupable ? C’est pas lui ? Quand le film finit par trancher, on se dit c’est le truc le plus moralement et cinématographiquement douteux qu’on ait vu depuis un bail.

3 Billboards

« Ils sont cons ces ricains » épisode 45879. Non mais sans déconner, c’est ça le film audacieux-politiquement-incorrect-coup-de-poing de l’année ? Pfffff… C’est d’une laideur en plus. Aucun intérêt.

Rien compris en plus: c’est « les gilets jaunes », pas « les bleus de travail ».

Taxi 5

Ici.

Sale Temps à l’hôtel El Royale

Vu pour des raisons essentiellement extra-cinématographiques voire exclusivement liées au p’tit cul de Dakota Johnson. 2h20 quand même cette plaisanterie: si c’est pas de l’abnégation… Bon, autant je m’attendais pas à un chef d’oeuvre autant on a affaire à une vraie grosse bouse: une espèce de Tarantinade d’une ringardise absolue qu’on croirait issue du pire des années 90. Violence gratuite censément cool, personnages marionnettes, vacuité absolue du propos (d’ailleurs je le cherche encore), rien ne manque. Le pire : de longs, interminables tunnels de dialogues d’une platitude hallucinante. On fustige souvent, et à raison, la paresse doublée de cynisme des argentiers du cinéma français qui dépensent un pognon-de-dingue dans des projets inutiles uniquement montés autour d’une ou plusieurs stars bankables mais ce film se pose là dans le genre.

How to talk to girls at parties

J’en ai parlé brièvement dans un de mes comptes-rendus pour la coupe du monde de foot. C’est dire si ça m’a passionné. Ici.

En guerre

Le film qui m’a le plus énervé cette année. D’abord simplement nul (« Les Dardenne pour les nuls » pour être plus précis, comme dans le précédent La loi du marché) puis franchement scandaleux dans son épilogue. J’en dis pas plus pour pas spoiler mais je trouve ce film dégueulasse en vérité.

24h Limit

Peut-on faire confiance à un réalisateur dont le nom ne comporte aucune voyelle ? Manifestement non puisque 24h Limit, réalisé par le dénommé Brian Smrz (j’ai décidé de le prononcer « Schmurtz »), un ancien cascadeur (déjà…), part d’énormes clichés pour dérouler une intrigue cousue de fil blanc qui s’achève très exactement comme on l’avait deviné 10 mns après le début du film. Costaud. A un moment, juste avant LE moment de vérité, le bad guy avance vers le bar pour se servir un verre, genre goûtons-une-dernière-fois-à-la-liqueur-des-Dieux-avant-que-la-foudre-ne-s’abatte-sur-nous. Un bar luxueux, qu’on imagine bien fourni. Il scanne du regard les nombreuses bouteilles à sa disposition (gin, whisky, cognac, y a vraiment de tout) marque un temps d’hésitation et finit par saisir… une bouteille de Johnny Walker. Ca résume parfaitement la cheaperie de ce film.

Place Publique

Comédie de vieux, par des vieux, pour des vieux. Tristesse absolue. A côté, Le Sens de la fête, dont il se rapproche énormément, c’est chef d’oeuvre.

La Belle et la belle

Une certaine tendance du cinéma français ces dernières années : la comédie d’auteur. Pour le meilleur (Victoria par exemple, même si c’est paaaaaaaaaas non pluuuuuuuuuuuus) et plus souvent pour le pire, comme avec ce film horripilant, ni fait, ni fait à faire, qui n’a même pas le plus élémentaire souci de cohérence, puisque on s’en fout de la cohérence n’est-ce pas lorsqu’on des choses plus importantes à dire sur la Vie, l’Amour blablabla. Tu parles… Ni drôle ni touchant ni pertinent, La Belle et la belle est un pauvre téléfilm cheap et nul qui ne dit pas son nom.

Fleuve Noir

Je me suis un peu laissé prendre par l’intrigue dans un premier temps : un adolescent qui disparaît, une enquête, un flic à la dérive. Du classique, allons y. Rapidement, 2 gros problèmes: la complaisance, qui confine à la fascination, avec laquelle Erik Zoncka déroule et filme une trame, des personnages, qu’on découvre peu à peu glauquissimes, jusqu’à un final plus que douteux. Beurk. 2ème problème: Vincent Cassel, absolument grotesque en flic aux penchants auto-destructeur (nouveau: l’alcoolique aux abdos de capoieriste). A ce niveau là, c’est pas « en faire de caisses » ou « surjouer », faut trouver autre chose. En vérité, le film serait pas aussi pénible sur la longueur, il mériterait presque un visionnage pour la pire performance d’acteur que j’ai vue depuis très longtemps: un genre de catastrophe industrielle, une sortie de piste hallucinante. Un modèle du genre.

Belle technique de camouflage en revanche

Sans un bruit

Le film court interminable de l’année: ça dure 1h20 seulement mais qu’est ce que je me suis fait chier nom de Dieu ! Surtout, la confirmation qu’un bon pitch est le meilleur ennemi d’un bon film. « Dans un monde décimé par des créatures meurtrières venues d’on ne sait où, la survie passe par le silence complet, les créatures, aveugles, étant attirées par le bruit ». Plutôt cool hein ? Ouais, sauf que concrètement, ça signifie pas de dialogues, ok, normal, mais aussi des personnages qui prennent 45 minutes pour dresser la table ou enlever leur pull. Puisqu’il faut pas faire le MOINDRE bruit on t’a dit nom de Dieu. Super. Sans oublier l’idée la plus conne de l’année, haut la main, (enfin, après la décision de généraliser l’utilisation de l’arbitrage video dans le foot je veux dire) : c’est la fin du monde, la population est décimée, chacun se débrouille comme il peut dans son coin, SANS UN BRUIT, mais notre couple de héros décide de faire un gosse. Tkl.

Leto – critique

Leningrad. Un été du début des années 80. En amont de la Perestroïka, les disques de Lou Reed et de David Bowie s’échangent en contrebande, et une scène rock émerge. Mike et sa femme la belle Natacha rencontrent le jeune Viktor Tsoï. Entourés d’une nouvelle génération de musiciens, ils vont changer le cours du rock’n’roll en Union Soviétique. (Allociné)

Ce que le pitch ne dit pas, c’est que Viktor Tsoï a vraiment existé: il était un musicien culte de la scène rock russe dans les années 80. Il est mort en 1990. Leto n’est pas un biopic pour autant, plutôt une évocation d’un épisode de son existence, et de celle des personnes qui l’ont côtoyé à ce moment là, celui de son émergence.

Le film démarre sur une scène géniale et un plan séquence aussi virtuose qu’immersif: 3 groupies s’introduisent en douce dans une salle de concert. Sur scène, un quatuor, Zoopark, joue un rock lourd et arrogant, classique mais efficace, chanté en langue russe. Conclusion du refrain: « t’es une merde ». La salle est pleine, le public conquis… mais assis. Leningrad (actuelle Saint-Pétersbourg), début des années 80, ça rigole pas: des membres de la police (et du KGB?) quadrillent la salle et veillent au grain afin que personne ne se lève ou ne se manifeste de manière trop ostentatoire. Ambiance.

C’est un des aspects traités par Leto: les jeunes gens modernes du film vivent dans ce qui est encore l’URSS et Leonid Brejnev tient le pays d’une main de fer. Pourtant, Kirill Serebrennikov, le réalisateur qui est d’ailleurs assigné à résidence pour des soupçons apparemment fantaisistes de détournement de fonds, a l’intelligence de ne pas faire de son film un pamphlet politique. Il tend davantage vers la chronique mélancolique.

Ainsi, après une superbe ouverture, mais une 1ère demie-heure franchement flippante (les personnages sont tous pénibles, acteurs gesticulant/grimaçant/beuglant, le sempiternel cliché sur la supposée « hystérie russe » n’est pas très loin), le film trouve peu à peu une belle respiration, à travers une évocation donc, très douce et, encore, mélancolique.

Si Viktor Tsoï est la figure centrale du film, et celle à laquelle le réalisateur Kirill Serebrennikov veut rendre hommage, le personnage central est celui d’un autre rocker, Mike, (interprété par un musicien vedette en Russie, Roma Zver).
C’est pour lui que les filles resquillent et prennent des risques dans la 1ère scène, pour lui que le public se retient de s’enflammer. Il est le roitelet de la petite scène rock de Leningrad. Un roitelet entouré d’une cour fidèle et dévouée mais un roitelet sur le déclin: sa musique n’est qu’une déclinaison de celle de ses maîtres (Bowie, Lou Reed, Bolan dont lui et sa clique s’amusent à reproduire les pochettes) alors que Tsoï débarque de nulle part avec un son, et surtout une voix unique, en prise avec la vie quotidienne. Mike est un peu largué en vérité (« le futur c’est la new wave » pense Viktor, ça le fout en rogne), il travaille depuis un certain temps (depuis un temps certain on le devine) sur un 1^er album toujours inachevé, et le film nous montre joliment sa prise de conscience, son acceptation et sa passation de pouvoir en quelque sorte en faveur de Viktor. D’abord leader, il devient passeur et s’efface peu à peu. Lui qui fait peu de cas de son propre fils (il n’aime pas s’en occuper dit même sa femme) a trouvé en ce jeune musicien intense et affranchi quelqu’un pour reprendre son flambeau.

C’est là que Leto trouve son véritable sujet selon moi, dans cette histoire de transmission, mélancolique sans être amère, magnifiée en ce sens par un beau noir et blanc et par l’utilisation du cinémascope. D’autant que l’effacement de Mike va de pair avec les doutes et les émois que l’arrivée de Viktor fait surgir chez sa femme, la belle Natalia (étrangement rebaptisée Natacha dans le sous-titrage).

Ceci étant, pour en arriver là, il faut en passer par une certaine hystérie (les scènes de groupe) et surtout, se cogner des passages musicaux parsemés d’effets visuels nullissimes qui finissent de les rendre complètement ringards. Ca n’est pas la musique elle-même qui est en cause (des réinterprétations de classiques des années 70) : celle-ci témoigne de la manière, maladroite et attachante, dont les fans russes recevaient le rock anglo-saxon avec, on l’imagine, plusieurs années de retard. Le problème c’est que les illustrations de Serebrennikov datent bien de 2018 elles, et elles accusent elles aussi beaucoup de retard, sans le décalage ni l’excuse de la maladresse…

Ca n’est que dans sa conclusion que Leto finit de convaincre en vérité, lorsqu’on peut, à l’image du personnage de Natalia, prendre un peu de recul sur ce qu’il s’est produit/ ce qu’on a vu.

Beau film donc mais faut quand même un peu aller le chercher.

L’Amour est une fête – avant-première Gaumont Wilson

Paris, 1982. Patrons d’un peep show, Le Mirodrome, criblés de dettes, Franck et Serge ont l’idée de produire des petits films pornographiques avec leurs danseuses pour relancer leur établissement. Le succès est au rendez-vous et ne tarde pas à attirer l’attention de leurs concurrents. Un soir, des hommes cagoulés détruisent le Mirodrome. Ruinés, Franck et Serge sont contraints de faire affaire avec leurs rivaux. Mais ce que ces derniers ignorent, c’est que nos deux « entrepreneurs » sont des enquêteurs chargés de procéder à un coup de filet dans le business du « X » parisien. C’est le début d’une aventure dans le cinéma pornographique du début des années quatre-vingt qui va les entraîner loin. Très loin…(Allociné)

On le sait, les films sont rarement tournés dans l’ordre de leur scenario. Et il est encore plus rare que ce dernier se développe ou soit modifié au cours du tournage. Pourtant, j’ai eu cette sensation (complètement erronée donc, surtout connaissant un type aussi expérimenté et rompu aux règles cinématographiques que Cédric Anger) lors de la projection de L’Amour est une fête.
D’abord un peu entre 2 eaux, ou plutôt entre 2 genres (polar et comédie) et entre 2 humeurs (morose et débonnaire), le film choisit peu à peu son camp, comme s’il se laissait contaminer par les ondes positives qu’il diffuse, pour avancer franchement vers la lumière (au sens propre, tu comprendras quand tu auras vu le film). C’est tout le talent du réalisateur bien sûr, également auteur du scénario comme toujours, que d’avoir su mettre en place une telle progression et ménager une forme de suspense quant à nos attentes et à notre réception de son film : on peut légitimement penser au terme de son 1^er tiers que le film va s’engager sur un chemin tortueux, en tout cas plus sombre que ce à quoi on pouvait s’attendre. Et puis pas du tout, donc.

Virage à 180° donc, ou presque, pour Cédric Anger, après 3 premiers films graves et notamment un précédent, La prochaine fois je viserai le cœur, très étouffant : L’Amour est une fête est une comédie, au sens propre.

Sur le fond, c’est un très joli et touchant hommage au monde du cinéma porno d’antan, comprendre d’avant le numérique, internet et les scènes tournées à la chaîne dans des chambres d’hôtel de Budapest. Un monde dans lequel il était, c’est ce qu’on dit en tout cas, et qu’on nous raconte volontiers, encore possible de s’amuser et d’apporter un certain soin, un certain savoir-faire aux films produits (réalisateurs cinéphiles, scénarios un peu écrits, utilisation de la pellicule, acteurs et actrices nourrissant encore l’espoir de passer du X au cinéma traditionnel). Hommage aussi touchant que sincère, également incarné via le caméo de 2 des stars de l’époque, Alban Ceray et Marylin Jess (les Vrais savent). Voir, aussi, la belle affiche du film, sensuelle et 70s. C’est le côté Boogie Nights du film (mais ça s’arrête là pour les similitudes, Anger s’en expliquera d’ailleurs très bien).

J’ai des réserves, notamment sur l’aspect purement comique du film (j’ai pas toujours trouvé ça très drôle, et le fait d’avoir vu le film dans une salle pleine et très enthousiaste dès les toutes 1ères secondes, un contexte très « avant-première » donc, se révèle souvent encore plus trompeur ; je pense notamment à toute la séquence du retour de Gilles Lellouche auprès de sa famille que j’ai trouvée franchement embarrassante), mais c’est un film tendre et touchant, nourri d’une certaine mélancolie et d’une petite dose de nostalgie, sans pour autant verser dans le passéisme, infusant une douce euphorie, un sentiment positif. A ranger dans la catégorie film-sourire-aux-lèvres.

L’équipe du film s’est déplacée en nombre pour le défendre : sur la photo ci-dessous, et de gauche à droite, les actrices Camille Razat, Elisa Bachir Bey et… Valeria Nicov ? j’ai oublié de qui il s’agissait…; le réalisateur Cédric Anger; et les acteurs Xavier Alcan et Gilles Lellouche. Mention spéciale d’ailleurs pour tout le casting féminin, très sexy, et filmé de façon appropriée par Anger, sans une once de vulgarité ou de putasserie.

Guillaume Canet n’était pas du voyage, au grand dam d’une large partie féminine et trentenaire du public, manifestement en attente. Elles se sont consolées avec Lellouche, aussi sympathique et vanneur qu’on l’imagine.
Marrant d’avoir enchaîné 2 AP en 3 jours : sur le coup, j’ai trouvé Mathieu Sapin confus et plat pour parler de son film (Le Poulain), avec le recul, les prises de parole de Cédric Anger se s’ont révélées encore plus cruelles pour lui. D’abord critique aux Cahiers du cinéma, puis scénariste (notamment pour Xavier Beauvois, acteur dans L’Amour est fête et génial dans le rôle d’un réalisateur de films porno), Anger a beaucoup de recul sur son métier, son film et il en parle très bien.
Séance de questions-réponses un peu courte faute, étrangement, de questions de la part du public d’autant que la salle était pleine, c’est dommage de pas en avoir profité : j’ai évidemment pensé à plein de questions SUPER intéressantes à peine sorti de la salle. Mais chouette soirée donc, et un film que je conseille.

Le Poulain – avant-première Gaumont Toulouse

Arnaud Jaurès, 25 ans, novice en politique, intègre par un concours de circonstances l’équipe de campagne d’un candidat à l’élection présidentielle. Il devient l’assistant de Agnès Karadzic, directrice de la communication, une femme de pouvoir et d’expérience qui l’attire et le fascine.
Sans l’épargner, elle l’initie aux tactiques de campagne, et à ses côtés il observe les coups de théâtre et les rivalités au sein de l’équipe, abandonnant peu à peu sa naïveté pour gravir les échelons, jusqu’à un poste très stratégique. (Allociné)

Mathieu Sapin est d’abord connu pour son travail d’illustrateur et dessinateur de BD. En 2012, il a suivi la campagne de François Hollande pour la primaire socialiste, puis s’est vu accrédité à l’Elysée pour en dessiner les coulisses (suite à l’élection d’Hollande donc). Il a tiré 2 albums de cette expérience, et aujourd’hui, un film (en 2016, il a été nommé Chevalier des arts et des lettres mais je suppose que ça n’a AUCUN RAPPORT avec ce qui précède).

Le Poulain décrit donc les arcanes à la fois d’une élection et de l’exercice du pouvoir, à travers la trajectoire d’un jeune assistant qui se retrouve au milieu de tous ces requins qui pensent qu’à leur sale djeule de petits énarques de merde : la question sera posée à Sapin à l’issue du film (« vous avez pas peur que ce genre de films détourne encore plus les gens de la politique ? ») et il confirmera que bon, c’est quand même un milieu où, on va pas se mentir, il faut bouffer les autres avant d’être bouffé soi-même. Dont acte.

Le film est donc relativement prévisible. Ce milieu qui fascine ( ?) autant qu’il dégoûte, on ne le connaît pas à moins d’y appartenir et pourtant, on sait parfaitement à quoi s’en tenir : coups bas, volte-face, trahisons, compromis etc., le film montre tout ça, pas de surprises. Il choisit de le faire sur un mode comique, via la satire. C’est là que le bât blesse pour moi : les dialogues ou situations sont eux aussi très (trop) prévisibles et sans surprises, pour ne pas dire carrément paresseux (le coup du SMS incendiaire envoyé par erreur à la personne qu’on incendie, c’est pas possible, on a pas le droit).

Le Poulain se suit néanmoins sans déplaisir (j’ai quand même soufflé et levé les yeux au ciel à plusieurs reprises), peut-être en raison de sa prévisibilité précisément, qui le rend confortable, mais aussi grâce à sa distribution, irréprochable pour le coup : Alexandra Lamy en requine volontariste, Gilles Cohen en gentil candidat un peu dépassé, Katerine en fantasque théoricien de l’ombre, tous sont épatants. Finnegan « Mike » Oldfield prête lui sa maladresse et son visage juvénile encore neuf sur les écrans au personnage du « poulain », catapulté du jour au lendemain en tant qu’assistant du personnage interprété par Alexandra Lamy, et qui apprend, puis maîtrise rapidement les rouages de ce monde qui lui était pourtant totalement inconnu.

A l’issue de la projection, traditionnelle séance de questions-réponses entre le public très grand public et le réalisateur, Mathieu Sapin donc, et son interprète principale, Alexandra Lamy. Evidemment, les gens sont là pour elle : elle se fait méthodiquement mitrailler en silence par les téléphones portables.

Elle arrivait manifestement de la salle de sport.

Séance courte et sans grand intérêt : elle a pas grand-chose à dire sur ce rôle relativement banal et transparent de femme-forte-qui-n’est-pas-une-salope-car-elle-doit-exister-comme-elle-peut-dans-un-milieu-d’hommes et j’ai trouvé que Mathieu Sapin défendait son film de manière assez maladroite et confuse, se perdant parfois dans de longues phrases pour raconter des anecdotes peu intéressantes. Et quoi de plus chiant qu’une personne qui ne sait pas raconter une anecdote sans intérêt ?

Quand même, la traditionnelle, elle aussi, question nawak de la part d’un spectateur (y en a toujours une) : « il serait possible de connaître les cachets des acteurs sur le film ? ». Oui, bien sûr, et puis on en profitera pour te glisser le fin mot sur l’assassinat de JFK par la même occasion. Les gens…

Brillantissime – critique

J’en vois des merdes chaque année. J’avoue sans mal que j’y prends parfois un certain plaisir (pervers ou masochiste, peu importe comment on le qualifie). Et sans vouloir me dédouaner ni me justifier, j’y trouve un intérêt : à choisir, vaut mieux voir uniquement des bons films évidemment mais je pense que c’est important de voir des bouses de temps à autre, pas trop souvent non plus, faut doser, mais il faut en voir pour pleinement réaliser, ou se souvenir, à quel point c’est difficile de réaliser un film. Avoir quelque chose à raconter, quelque chose de léger ou de grave, de divertissant, d’intime etc., écrire des scènes, des situations, des personnages, des dialogues, choisir toute une équipe autour de soi, des comédiens, les diriger, utiliser (ou pas) de la musique/des chansons etc etc. C’est difficile de tout réussir, et quand on y parvient, ou plutôt quand on constate que le réalisateur ou l’équipe du film, y est parvenue, c’est merveilleux bien sûr, et c’est la raison pour laquelle on continue à aller au cinéma et à aimer certains films avec passion.

Des merdes, j’en vois donc, notamment dans ce genre à part entière qu’est devenu «la comédie française grand public ». Un genre hier régulièrement noble et enthousiasmant, qui l’est de moins en moins malheureusement pour plein de raisons qu’il serait intéressant d’analyser ou de lister mais c’est pas l’objet (perso, je pense que ça a commencé à sérieusement merder lorsque le moindre comicaillon issu de Canal Plus s’est senti pousser des ailes et s’est cru légitime sur le grand écran).

Toujours est-il que « la comédie française grand public » est devenue tellement merdique dans sa globalité que nombre de papiers ont tenté d’analyser le phénomène. On peut même dire qu’il s’agit désormais d’une des marottes perverses des cinéphiles et cinéphages : jusqu’où peut-on descendre plus bas ? Quand est-ce qu’on va arrêter de prendre les gens pour des cons ? Pourquoi Franck Dubosc n’a-t-il pas les rôles qu’il mérite ? etc etc. Voir notamment l’excellent top réalisé chaque année par les gens de Slate (clique ici), qui permet à la fois de bien choisir les merdes qu’on va s’infliger avec une délectation masochiste, ou à l’inverse qui permet de mettre en lumière des films noyés au milieu du flot de sorties hebdomadaires et/ou qu’on aurait négligé pour délit de sale affiche. C’est par exemple grâce à ce top que je suis allé voir le génial Le Nouveau, une des plus belles réussites de ces dernières années, ou le très sympathique La Colle sorti l’an dernier).

Tout ça pour dire que j’ai eu beau me taper une palanquée de daubasses innommables, j’étais pas préparé à ça : Brillantissime, le 1er film écrit et réalisé par Michèle Laroque.

Honnêtement, j’ai halluciné. Sérieux ! Pour 2 raisons essentiellement.

Tout d’abord, l’ego trip : honnêtement là encore, on peut arrêter de se foutre de la gueule de Tom Cruise, Kanye West, Mariah Carey ou Cristiano Ronaldo parce que c’est des petits joueurs à côté de Mme Baroin. Brillantissime, c’est tout simplement une ode à Michèle Laroque, par Michèle Laroque. Elle est de tous les plans : cheveux attachés, lâchés, robe décolletée, robe de soirée, talons hauts, plats, manteau pied de poule, pyjama etc etc. Tout y passe. D’ailleurs on a droit à une séquence d’essayage de fringues à la Pretty Woman (ça situe le niveau d’originalité du truc déjà). En outre, ses amis, les gens qu’elle croise dans la rue (à Nice, ville où elle est née et a grandi), les commerçants, tout le monde lui répète combien elle est belle, fraîche, séduisante (je mens pas, c’est dans le film !). Hallucinant. Et du coup le titre prend une dimension intéressante puisqu’il s’agit manifestement de premier degré.

Là par exemple, elle se balade avec des fleurs offertes par les commerçants parce que « tchi’est trop belle ma chériiiiiiie! » Very Dick. Rivers, un niçois lui aussi. Putain de boucle bouclée.

L’autre raison c’est… comment dire… Y a rien dans Brillantissime. Mais quand je dis « rien » c’est vraiment RIEN : je parle pas de tension dramatique ou d’enjeux de quelque nature que ce soit évidemment, on en est pas là, mais pas de gags, pas de répliques, pas de séquence qui fasse non pas mouche, on en est pas là du tout non plus, mais qui suscite un tant soit peu d’intérêt. Rien. Nib. Nada. Ca se résume à une succession de scènes mal écrites, mal filmées, mal jouées (putain, les mecs, les acteurs je veux dire, Kad Merad, Gérard Darmon et Pascal Elbé, ne font AUCUN effort, c’est dingue) qui tombent irrémédiablement à plat. A tel point que c’est ce qui m’a tenu en éveil: « ah c’est fini là, c’était la chute? » « Non mais c’est pas le climax de la scène ça quand même?! » etc etc.
A un moment, sur les conseils de sa gynéco, ou de sa sexologue, je sais plus, j’ai commencé à plier mon linge à ce moment là parce que faut quand même pas déconner même si ça dure seulement 1h20, elle va s’acheter des sex toys dans un sex shop. Cocasse ! Elle a honte évidemment, alors elle porte un imper avec le col relevé, des lunettes de soleil pour passer inaperçue. Et quand elle arrive à la caisse, elle dit que c’est pour faire une blague à une collègue. Voilà, c’est une scène du film et c’est le gag de cette scène.

Cette scène est particulièrement embarrassante. En vérité, j’ai absolument rien compris à ce qu’elle avait essayé d’y faire.

Je passe sur les incroyables facilités scénaristiques ou les largesses prises avec la vraisemblance: j’en suis pas un forcené et je m’accommode aisément de la convention du grand-appart-sur-l’île-Saint-Louis-payé-avec-un-salaire-de-prof dans les comédies, d’autant plus lorsqu’elles sont réussies. Mais là, non seulement la nana vit dans un T56 à Nice avec vue sur la Méditerranée mais lorsque son mari la quitte (c’est ça le pitch du film: elle se fait larguer à 50 ans, elle doit se reconstruire)… ben rien, tranquilou, elle a pas besoin de bosser, ou de se remettre à bosser, ou à trouver du pognon, tout roule sans qu’il soit jamais fait la moindre mention des contraintes matérielles. OK, à ce niveau de nullité, c’est un détail mais à ce niveau de nullité, c’est aussi une circonstance aggravante.

Sa fille, qui joue le rôle de sa fille. Auto-fiction ! Et un joli pyjama qu’elle porte A MERVEILLE.

Taxi 5, que j’ai trouvé absolument immonde et devant lequel j’ai rapidement jeté l’éponge, je peux comprendre: y a des nains, des gros, du caca, Gastambide touille tout ça a minima, pour flatter les plus bas instincts de son public mais y a au moins quelques ingrédients, des gags/répliques clairement identifiables, dont on voit bien qu’ils sont censés êtres drôles. Qu’est ce que j’ai fait au bon Dieu ? je ne comprends que trop bien… Mais ici: rien, encore une fois. J’insiste: le néant total ! Bordel, à qui s’adresse ce film ? Qui peut bien trouver ça sympa, mignon, drôle (puisque c’est manifestement ce que cherche à atteindre Laroque)? Qui a aimé ce film ? Sérieusement, à ce stade là, ça m’intéresse. En même temps, après ce que je viens de dire, je comprendrais que vous vous manifestiez pas. Mais si, svp, prenez un pseudo et confiez-vous, racontez-moi ce que vous avez aimé dans ce film. Vous verrez, vous vous sentirez beaucoup mieux après vous être libérés de ce poids.

Françoise Fabian. Ma nuit chez Maud (soupir).

Cerise sur le gâteau: alors que j’étais déjà scandalisé, révolté que des producteurs aient pu accepter de financer un truc pareil (non mais sans déconner hein, ça m’a mis hors de moi !), j’apprends que le film a été (en partie) crowdfundé…
Mais putain les gens, merde quoi ! Vous avez filé du pognon à Laroque pour qu’elle puisse monter son ego trip de merde puis vous raquez à nouveau pour aller voir le film ? (puisqu’en contrepartie, y a juste le nom des contributeurs au générique du film). « J’avais envie de créer une communauté de gens qui ne font pas ce métier et les embarquer sur la planète cinéma. J’avais envie de partager ça » a déclaré Michèle Laroque. « La planète cinéma »… Putain, les gens…

Sa fille joue dans un groupe de rock qui ferait passer Calogero pour Iggy Pop. D’ailleurs les gens sont assis dans la salle de concert (véridique).

Avec tout ça, c’est un des films que je retiendrai cette année, avec Phantom Thread, Under the Silver Lake, Mes Provinciales. Mieux : c’est sans doute le pire truc que j’ai vu depuis des années.
Il est possible que j’ai piqué ta curiosité et que tu aies envie de le voir maintenant mais il faut pas : c’est pas Taxi 5 ou Qu’est-ce que j’ai fait au bon Dieu (pour citer à nouveau 2 exemples de comédies édifiantes selon moi), 2 films qu’on peut juger intéressants pour ce qu’ils révèlent de notre époque, de l’humour actuel, de la société française même, pourquoi pas. C’est juste terriblement nul et triste, un long spot d’auto-promo vide et complaisant.

Under the Silver Lake – critique

À Los Angeles, Sam, 33 ans, sans emploi, rêve de célébrité. Lorsque Sarah, une jeune et énigmatique voisine, se volatilise brusquement, Sam se lance à sa recherche et entreprend alors une enquête obsessionnelle surréaliste à travers la ville. Elle le fera plonger jusque dans les profondeurs les plus ténébreuses de la Cité des Anges, où il devra élucider disparitions et meurtres mystérieux sur fond de scandales et de conspirations. (Allocine)

A chaud (je l’ai vu hier), et sachant que c’est un film-labyrinthe, ou un film-oignon, dont il faut (ou plutôt dont « on peut », si on le souhaite), enlever pas mal de couches avant d’atteindre son cœur, ou son essence, mais, encore une fois, libre à chacun de le faire puisqu’on peut tout aussi bien se laisser porter sans chercher à comprendre le pourquoi du comment, un film dense en tout cas, un film qu’il faut laisser décanter un minimum, à chaud donc, petite calotte. Calotette. Plus belle mise en scène de l’année en tout cas, avec le Phantom Thread de Paul Thomas Anderson, qui a dû quitter son Los Angeles natal et fétiche pour lâcher un peu la bride à son cinéma de petit maître.

Tout juste sorti du succès critique (mérité) de It Follows, David Robert Mitchell s’est lui à l’inverse jeté à corps perdu dans Los Angeles, sa mythologie, sa topographie, sa faune. Comme sur l’affiche, il accompagne son personnage sous les eaux mystérieuses du Silver Lake (dans le district du même nom, résidence actuelle de hipsters, célébrités et membres de la communauté LGBT) pour toucher non pas le fond mais les palmiers emblématiques de la ville. Il/elle coule, et nous avec, vers le cœur de Los Angeles en quelque sorte…
Dès les premières minutes, Under the Silver Lake s’impose donc comme un nouveau film-somme et emblématique de la cité des anges, à l’image de ceux auxquels il se réfère constamment. Et que je ne citerai pas tellement la liste serait interminable…

C’est sans doute ce qui m’a le plus impressionné dans le film: j’ai rarement vu une oeuvre alignant aussi consciencieusement les références et les citations, les accumulant soit par la bande, soit par du name-dropping pur et dur, parvenir malgré tout à trouver son propre ton, absolument singulier. Non mais merde, je vais quand même le dire: le mec (David Robert Mitchell donc) parvient à créer un espèce de gigantesque mash up hitchocko-de palmo-polansko-altmano-lynchien (et j’en passe énormément donc) avec une aisance et une fluidité hallucinantes (le rythme est nonchalant, enveloppant). Un film de fétichiste, pour les fétichistes, qui réussit pourtant à créer un nombre incalculable d’images fortes, à la puissance d’évocation assez dingue. Allez, je vais le dire: à ce niveau là (la puissance d’évocation, la croyance dans l’image), ces dernières années, je retiendrai ce film et la saison 3 de Twin Peaks (je les mets pas sur un pied d’égalité, calme toi, je parle simplement de cet aspect là bien précis).

Under the Silver Lake remplit donc pleinement son cahier des charges « film de pop culture sur la pop culture ». La pop (culture), cet immense entreprise de recyclage permanent, cet éternel champ d’emprunts et de répétition, qui réussit pourtant comme par enchantement à se renouveler et à investir de nouveaux domaines, à trouver de nouvelles formes singulières ou de nouveaux chantres, de nouveaux souffles. Le film saisit et retranscrit ça de manière remarquable.

Mais ce film, aussi beau ou aussi pop soit-il, n’est pas qu’un imagier pour geek ou cinéphile hardcore.
En effet, Under the Silver Lake… bah rien du tout, je préfère ne rien dire. Ou pas grand chose : tu auras lu, peut-être, ou deviné, d’après la bande annonce, que l’intrigue est, peu ou prou, celle d’une enquête qui mène son héros de cercle interlope en personnage excentrique (Andrew Garfield, qu’on a d’abord un peu de mal à imaginer en glandeur t-shirt/slim/Converse mais qui se révèle impeccable, comme toujours), le plongeant dans un Los Angeles qui tiendrait à la fois du Grand Nulle Part (Ellroy) et de Mulholland Drive, du Hollywood de l’Âge d’or et de celui plus azimuté de notre époque. Voir à ce titre la fantastique bande originale de Richard Vreeland aka Disasterpeace, qui elle aussi parvient à conjuguer classicisme et modernité, nous emportant dans des océans de corde tantôt romanesques, tantôt angoissants (coucou Bernard Herrmann). Tout ça est vrai, mais c’est plus que ça (heureusement).

Éminemment contemporain dans sa capacité à la fois à formaliser et à théoriser la pop culture donc, Under the Silver Lake parvient également à saisir le monde de 2018 dans sa dimension à la fois ultra-technologique mais également païenne et décadente, voire apocalyptique: lors d’une soirée un personnage mentionne , une auteur de série prodige (elle a 12 ans…) qui selon lui, est celle qui saisit le mieux le zeitgeist, l’air du temps. David Robert Mitchell n’a plus 12 ans depuis longtemps mais il reste un jeune cinéaste (c’est son 3ème film seulement) et le clin d’oeil m’a paru évident. Difficile d’en dire plus là aussi, je préfère que tu vois le film vierge de tout.

J’étais à la fois très excité, très désireux de le voir ce film mais j’y croyais pas complètement: je pensais la marche trop haute pour David Robert Mitchell (Fenêtre sur cour + Le privé + Le grand sommeil + Mulholland Drive +… +…+ ad lib, vraiment?). Mais non, il est bon le con…
A chaud, encore, il me manque une pointe de romantisme, de romanesque, d’émotion tout simplement pour hisser Under the Silver Lake tout en haut de mon top 2018 mais le film parvient à fasciner, à imprimer durablement la rétine. Qu’est ce que ça fait du bien une telle croyance dans le Cinéma…

Budapest – avant-première Gaumont Wilson, Toulouse

Vincent et Arnaud ont beau avoir fait la plus grande école de commerce française, ils s’ennuient ferme dans leur travail.
L’un, Vincent, travaille avec acharnement pour une multinationale sans aucune reconnaissance. L’autre, Arnaud, stagne dans la société du père de sa femme, Audrey. A l’occasion de l’enterrement de vie de garçon d’un de leurs amis, qui est un vrai échec, ils font la rencontre d’une strip-teaseuse qui leur parle de Budapest. Vincent a alors une idée qui va changer leur vie : créer une entreprise qui organise des enterrements de vie de garçon dans cette ville de débauche, où les boîtes de nuit pullulent, l’alcool coule à flots et la démesure est au rendez-vous.
Après avoir abandonné leur emploi, et emprunté beaucoup d’argent, Vincent et Arnaud se lancent. Avec l’aide de Georgio, un expatrié qui leur a fait découvrir les « trésors cachés » de Budapest, ils créent l’agence de voyage « Crazy Trips ».
Après des débuts hésitants, « Crazy Trips » envoie de plus en plus de clients à Budapest, pour y faire la fête arrosée à la palinka, danser enchaînés à des stripteaseuses, mais aussi profiter de certaines activités offertes par ce pays d’ex-URSS comme conduire des tanks et tirer à la kalachnikov sur des cibles. Mais cette aventure entrepreneuriale va bouleverser l’existence de Vincent et Arnaud. Car cette nouvelle vie entre Paris et Budapest mettra à l’épreuve à la fois leur amitié fraternelle, mais aussi leur couple. Et ils vont se confronter aux risques du métier…(Allociné)

Trop long ce pitch…

En quelques mots pour les impatients : Budapest raconte l’histoire (vraie) de 2 amis qui décident d’organiser des séjours-EVG à Budapest parce que c’est moins cher et donc plus rentable qu’à Paris, Londres ou même Berlin (« c’est Berlin mais gratos! » dit à un moment le personnage interprété par Jonathan Cohen).

On va pas se mentir : malgré toute la sympathie que peuvent inspirer ses 3 interprètes principaux, elle fait peur cette bande-annonce. Genre de Very Bad Trip à la française tro délir, elle laisse en outre craindre sinon une apologie, du moins une utilisation/mise en scène légère de l’un des trucs les plus beaufs et cons devenus à la mode ces dernières années : les « packs » EVG (séjours enterrement de vie de garçon incluant vol, hôtel, activités, beuverie etc etc). Bonus glauquerie si organisé dans un pays de l’Est, avec tout ce que ça implique en termes de fantasmes cheap et malsains.

Mais, justement, il est là le truc : les 3 interprètes principaux. Manu Payet, Monsieur Poulpe, Jonathan Cohen, soit 3 des meilleurs keumiques/acteurs de comédie apparus ces dernières années en France. C’est évidemment pour eux avant tout que je me suis rendu à l’avant-première de Budapest, avec malgré tout l’espoir également que le film ne serait pas

exactement conforme à sa bande-annonce.

Eh ben j’ai pas été déçu : sans être exempte de lourdeurs, longueurs, facilités voire complaisances, Budapest est une comédie qui réserve régulièrement de très bons gags/moments/répliques. Pas tout à fait le véhicule hétéro-beauf redouté donc.

Pas tout à fait mais un peu quand même : Payet (qui a co-écrit le film et devait le réaliser à la base; c’est finalement, et étonnamment Xavier Gens, réalisateur notamment de Hitman, qui s’y est collé) explique à son issue avoir voulu raconter une success story française et ça n’est évidemment pas un hasard s’il a choisi l’histoire des 2 fondateurs de Crazy Nights (rebaptisé en « Crazy Trips » dans le film) plutôt que celle de Michel et Augustin (comme il lui a été suggéré par une spectatrice). Il l’a dit lui-même avec humour et honnêteté, les conflits et enjeux au centre du projet de 2 gars qui montent ce type d’entreprise sont un poil plus intéressants que ceux de 2 types qui se demandent avant tout s’il faut rajouter du beurre ou du chocolat dans leurs cookies.

Donc Budapest se met en mode success story et ne remet pas vraiment en cause le fait que les mecs se fassent du blé en alimentant les fantasmes à base de putes de l’Est (disons les choses comme elles sont) de jeunes mecs en mal de sensation fortes ( ?) … mais un peu malgré tout : c’est là que le film se montre plus fin que ce qu’on peut légitimement craindre à la lecture de son pitch et en voyant sa bande annonce. En effet, cette dernière occulte notamment les personnages des 2 compagnes des héros (excellentes Alice Belaidi et Alix Poisson, interprètes des épouses de Manu Payet et Jonathan Cohen respectivement). Elles apportent constamment un contrepoint aussi salutaire que pertinent, révélateur du fait que les auteurs et le réalisateur ne sont pas dupes ni complices. D’ailleurs, au bout du compte, Budapest ne joue finalement pas tant que ça sur les clichés des bonnasses-du-Danube et c’est évidemment à mettre à son crédit. Voir également la peinture assez fine de l’évolution, en parallèle des 2 couples (même si celle du couple Cohen/Poisson n’échappe pas à certains clichés justement).

J’aurais bien aimé leur poser la question ceci dit, pour avoir le fin mot de l’histoire (au-delà du fait que c’est sans doute un bon terreau pour une comédie, ils en pensent quoi au fond des EVGs de ce genre?), j’étais dans les starting-blocks mais j’étais évidemment pas le seul, tous les spectateurs qui le souhaitaient n’ont pas pu avoir la parole, loin s’en faut.

Ceci étant, fin de la parenthèse fond-du-film: ça reste une pure comédie et dans ce registre seul, Budapest réserve de très bons moments dus notamment à l’abattage, à la complicité évidente et au talent de ses 3 interprètes principaux, encore eux. Comme dans Radiostars ou Situation amoureuse c’est compliqué, autres comédies auxquelles Payet a largement contribué et dans le registre desquelles Budapest se situe par bien des aspects, on sent le mec vraiment à l’aise dans les scènes à 2 ou 3 qui racontent l’amitié, la complicité, à base de petits détails anodins, de petites annotations qui mises bout à bout créent un ton et font la valeur de son écriture. Enfin, tout ça pour dire que le mec a du talent, c’est évident, et qu’il a trouvé en Jonathan Cohen et Monsieur Poulpe (dans un registre davantage électron libre) des partenaires de jeu idéaux.

Bonne surprise donc même si je conseillerais pas le film à tout le monde: c’est parfois très cru, de manière très naturelle d’ailleurs, encore un bon point, mais du coup ça plaira évidemment pas à tout le monde.

Après la séance, Manu Payet et Monsieur Poulpe se sont livrés au traditionnel exercice des questions-réponses avec le public : malgré la lassitude de fin de tournée (qu’ils ont eux-mêmes confessée), ils n’en ont rien laissé paraître et se sont montrés égaux à l’image qu’on peut avoir d’eux à savoir disponibles, drôles, alertes. Ils nous ont même gratifié d’un mini-sketch sur le mode vrai-faux incident en direct live, très drôle. Questions sur le film pour faire gagner quelques cadeaux, vannage des spectateurs, auto-vannage, ils ont fait le show et c’était aussi réussi qu’agréable.

Après 45 bonnes minutes, ils se sont livrés au désormais traditionnel exercice des selfies avec le public. Très pros sans en avoir l’air là aussi.
Chouette soirée donc.

Première année – avant-première Gaumont Toulouse

Antoine entame sa première année de médecine pour la troisième fois. Benjamin arrive directement du lycée, mais il réalise rapidement que cette année ne sera pas une promenade de santé. Dans un environnement compétitif violent, avec des journées de cours ardues et des nuits dédiées aux révisions plutôt qu’à la fête, les deux étudiants devront s’acharner et trouver un juste équilibre entre les épreuves d’aujourd’hui et les espérances de demain. (Allociné)

William Leghbil, 28 ans, joue un gars qui sort tout juste du lycée. OK. C’est un peu moins choquant pour Vincent Lacoste, 25 ans « seulement », qui en outre interprète un triplant.

Véritable avant-première pour le coup puisque Première année ne sort que le 12 septembre. En salle 2, soit la 2ème plus grande du ciné, qui affiche complet: je pensais pas que les 2 comédiens, certes sur la pente ascendante pour l’un (Leghbil) et déjà confirmé pour l’autre (Lacoste) étaient aussi populaires.
Et de fait, ils ne le sont peut-être pas, en tout cas la réponse est en suspens : on apprend assez rapidement qu’une grande partie de la salle est constituée d' »invités », des 1ère, 2ème, 3ème années de médecine qui se sont vus offerts des places.

Le film: sympathique. Dans la lignée d’Hippocrate, dont il pourrait être le prequel, il narre donc les aventures de Benjamin (William Leghbil) et Antoine (Vincent Lacoste), étudiants en 1ère année de médecine (ou « P1 »), qui se mettent en binôme pour tenter de la surmonter voire d’y survivre. Et accessoirement de la réussir.

Car ça rigole pas la 1ère année de médecine, et c’est là que Lilti (médecin lui-même faut-il le rappeler) veut en venir: il se demande même, et nous avec à l’issue du film, si cette véritable épreuve physique, psychologique et nerveuse au sens propre, ne friserait pas l’absurde voire ne serait pas inadaptée à la formation de médecins et personnel soignant digne de ce nom (= sujet de société).

Plus en surface, Première année est une belle histoire d’amitié, un roman d’apprentissage, une réflexion (soft, certes, mais quand même) sur l’inné, l’acquis, le conditionnement social, familial: Antoine (Lacoste) a la médecine dans le sang mais c’est un besogneux et il n’est pas du sérail alors que Benjamin (Leghbil), qui a baigné dans un contexte favorable depuis sa naissance (son père est chirurgien) a des facilités mais pas la vocation. D’ailleurs Bourdieu est cité à un moment et s’il n’est certes « que » cité, c’est bien vu.

Tout ça est propre, bien pensé, bien incarné (les 2 interprètes sont excellents), limpide dans ses intention autant que dans son exécution. Un peu trop même, et c’est la limite du film: aucune ambiguïté ni mystère dans Première année dont le message est univoque. Tout le monde recevra le film de la même manière.
Mais c’est bieng, c’est du cinéma français populaire et intelligent(= petit bonhomme content dans le Télérama de la semaine), soit un truc en voie de disparition depuis des années donc comme pour Hippocrate, on aurait tort de bouder son plaisir.

Le problème ce soir, c’est que la discussion avec Thomas Lilti à l’issue de la projection (Lacoste n’est pas là, ça a été dit d’emblée mais, surprise, Leghbil qui a pourtant été annoncé par le présentateur du Gaumont, n’est finalement pas là lui non plus), ne revêt pas un immense intérêt: il est volubile, passionné et sympathique mais il a déjà tout dit dans son film.

2ème problème: c’est pas qu’y ait pas mal d’étudiants en médecine dans la salle, c’est qu’ils la composent à 90% (voire plus). Du coup, toutes les questions sont orientées sur la filière, les études, le concours, l’expérience de Lilti en la matière blablabla.
Bon, c’est bien pour eux, j’dis pas mais c’est un peu trop corpo à mon goût et surtout ça cause pas beaucoup cinéma.
Les étudiants semblaient en tout cas unanimes: ils se sont tous parfaitement retrouvés dans le film. Mais, je me répète, je regrette qu’on ne se soit attardé que sur l’aspect documentaire du film en quelque sorte et non son volet fictionnel, voire romanesque, bien présent, et qui lui donne également sa valeur.

A part ça, au 1er rang, un type à la chevelure invraisemblable, entre footballeur ukrainien des années 80 et Jean-Pierre François. Ca m’a fait ma soirée.

Avengers: Infinity War – critique

Les Avengers et leurs alliés devront être prêts à tout sacrifier pour neutraliser le redoutable Thanos avant que son attaque éclair ne conduise à la destruction complète de l’univers. (Allociné)

J’allais commencer en posant une question légitime selon moi (« est-ce encore du cinéma? ») et je constate que le pitch « officiel » i.e. celui disponible sur Allociné, fait 2 lignes. Bon.

Et à la fois, le pitch est juste, il dit tout, y a pas tromperie sur la marchandise.

Bon, et donc: est-ce qu’on peut encore parler de cinéma devant un film tel que Avengers: Infinity War ? Si on considère que le cinéma n’est qu’artifice, alors oui, évidemment. On serait même devant un genre d’épitomé… du genre (y a-t-il un seul décor « naturel » dans ce film i.e. autre chose que des fonds verts? Même Édimbourg a l’air étrangement factice.)

Et j’ai aucun problème avec ça, ni avec le tout-spectaculaire dont la série des Avengers (et les films Marvel en général dans une moindre mesure) s’est faite le nouveau parangon. J’ai suffisamment vanté les mérites de certains blockbusters ici-même et puis oh, j’ai pas à me justifier non plus, t’es pas ma mère.

Mon problème avec Avengers: Infinity War est autre mais il est inévitable en un sens, consubstantiel à ce que Marvel construit depuis plus de 10 ans: j’ai eu l’impression de me retrouver devant un gigantesque épisode de série. En effet, le film fait suite aux 2 premiers volets bien sûr, mais également aux autres « épisodes » (tu vois…) de la saga Marvel. Il reprend ainsi les choses très exactement là où Thor: Ragnarok les avaient laissées, il en constitue la suite directe et immédiate.

Mieux : avec sa durée plus-longue-que-la-tienne (2h30 cette plaisanterie quand même), j’ai eu le sentiment de visionner la saison d’une série. Genre 5 épisodes de 30 minutes chacun, bien scandés. Alors ouais du coup, bof bof cette nouvelle saison des Avengers: j’ai bien aimé les 2 premiers épisodes, le dernier aussi mais entre les 2 je me suis un peu fait chier. Comprendre: j’aurais bien sabré 1h ou pas loin…

Après oui, je dis pas, c’est relativement fluide, tout le monde a sa place, son petit moment de bravoure, sa petite réplique qui fait mouche. Et c’est spectaculaire évidemment mais ça c’est quand même le minimum syndical non ? Quoiqu’il en soit, le crossover promis, vendu et priapisé par la geekosphère l’effectue relativement. Nom de Dieu, y a même Peter Dinklage dans un rôle de nain géant (mouarf). Peter Dinklage, de cette série là… Cette série qui depuis 2-3 saisons nous livre régulièrement des épisodes absolument épiques qui n’ont rien à envier aux blockbusters les plus spectaculaires…

Je sais pas, c’est peut-être un débat de vieux con et j’imagine que la grande majorité des spectateurs qui vont prendre un plaisir sincère devant Avengers: Infinity War n’en ont rien à cirer mais des séries qui ressemblent à des films et des films qui ressemblent à des séries, moi ça me chagrine un peu. L’impression que la geekosphère, après la revendication légitime d’une reconnaissance accrue, avait engendré un monstre, mi-cinéma, mi-série donc, mi-noble, mi-impur, qui fait que tout se ressemble, tout se vaut. Peut-être suis-je trop vieux pour ces conneries, tout simplement.

Pour en revenir au film lui-même, la 1ère demie-heure est donc assez cool, entre scènes d’action qui défouraillent bien et dialogues percutants. Dans la lignée de Thor: Ragnarok encore, pour moi la meilleure séquence du film est de loin celle du sauvetage de Thor par les Gardiens de la Galaxie, avec des passes d’armes Chris Hemsworth/Chris Pratt vraiment très drôles.

A vrai dire, je regrette que le film ne se soit pas cantonné à ce registre car après ce cette longue mise en place réussie donc, Avengers: Infinity War se sent comme obligé de densifier son propos, de le rendre plus adulte. C’est ce que je nommerais la « tentation shakespearienne » avec de loooooooongues scènes consacrées à des dilemmes existentialo-familiaux qui pour moi ne fonctionnent pas du tout: les caractères/personnages ne sont pas assez fouillés (et les dialogues pas assez brillants là pour le coup) pour susciter mon intérêt, à défaut de mon émotion. Que BIP soit obligé de tuer BIP pour obtenir BIP et que ça le torture et blablabla, pffffff… Je m’en cogne.

Ce long tunnel adulte et aux aspirations plus classiques est plus ou moins rattrapé par une fin relativement inattendue et j’en dirais pas plus car je me suis promis de pas spoiler. Mais après l’inévitable et attendue pastille post-générique (un générique de 10 mns montre en main, sans déconner…), j’ai quand même envie de conclure sur un « tout ça pour ça ».

Mes provinciales – critique

Étienne monte à Paris pour faire des études de cinéma à l’université. Il y rencontre Mathias et Jean-Noël qui nourrissent la même passion que lui. Mais l’année qui s’écoule va bousculer leurs illusions… (Allociné)

Quelques mots, rapidement encore, pour mettre un peu en lumière un film qui ne doit plus jouer dans beaucoup de salles j’imagine. Et c’est bien dommage car c’est tout simplement l’un des plus beaux de l’année pour l’instant.

Ce qui m’a le plus impressionné dans Mes provinciales, c’est qu’il parvient à la fois à représenter une somme, à plusieurs niveaux, tout en gardant une fulgurance, une fraîcheur, incroyables.

On pense bien sûr « Nouvelle vague » en premier lieu, et on a raison : entre Truffaut, Eustache, Rohmer ou même Garrel, Jean-Paul Civeyrac ne veut pas choisir.

On pense ensuite « roman », au sens large, noble et XIXème du terme: entre Les Illusions perdues et L’Eductation sentimentale, entre Balzac et Flaubert, pourquoi choisir là aussi lorsqu’on a suffisamment de talent pour tout embrasser dans un même élan?

XIXème toujours, Mes provinciales a tout du bildungsroman parfait: le héros qui monte à Paris depuis sa province pour s’y construire une nouvelle vie, plus grande et plus belle que celle à laquelle il était censé aspirer (Etienne, interprété avec le recul et la fausse passivité adéquates par l’excellent Andranic Manet, sorte de fusion Carl Barat/Julian Casablancas), ses amours, ses amis, ses rencontres, sa formation etc. Cette année que l’on passe à ces côtés (le film dure 2h15, indispensable, pas un plan, pas une seconde de trop) va tout lui faire appréhender et bouleverser: les idéaux auxquels on s’accroche coûte que coûte puis les petits arrangements avec soi-même, l’espoir, l’exaltation, l’amour, l’amitié, la Vie, la Mort. Et les illusions perdues, encore.

Si le film est pétri de références, il n’en garde pas moins comme je le disais en préambule, une fraîcheur incroyable: ça n’est évidemment pas dû au seul ancrage contemporain du film (on skype, on visionne les classiques du cinéma russe sur son PC portable), plutôt à l’association de cet ancrage avec un classicisme voire un universalisme évident et assumé, puisque Mes provinciales raconte rien moins que la grâce et le malheur de la jeunesse. Il faut donc aussi évoquer la mise en scène, faite de blocs plus ou moins étirés, qui s’attache toujours à coller au plus près des visages et du texte avec fièvre et douceur à la fois.

Il faut aller voir ce film ultra-romantique, au sens premier et noble du terme là encore, traversé de fulgurances sublimes, porteur d’une ferveur, d’une incandescence dingues (« Chaque jour je vis de foi, de courage et meurs chaque nuit aux feux de l’extase » pour reprendre la citation de Novalis sur l’affiche), et, c’est presque accessoire finalement alors que c’est son point de départ, d’un immense amour du cinéma. Je dis « un des plus beaux films de l’année » mais c’est sans doute un peu plus que ça en vérité.