Fitness Forever

Quel plaisir, alors qu’on a chaque jour un peu plus le sentiment d’avoir tout écouté, de ne plus pouvoir être surpris ou émerveillé par une chanson, un artiste, de tomber à la renverse par surprise à la découverte d’un groupe totalement inconnu jusque là.
Sentiment présomptueux que celui d’avoir « tout écouté » certes, mais qui repose néanmoins sur une certaine réalité: quand on écoute des dizaines d’albums, des centaines de chansons chaque année depuis plus de 30 ans, on peut légitimement je pense être pris d’un sentiment de lassitude ou d’indifférence face à des nouveautés qui ne le sont plus depuis longtemps (dans le domaine du rock ou de la pop au sens large en tout cas car non, je me suis pas encore mis au jazz ni au classique, ou si peu).

Mais lorsque la fraîcheur se lie au talent, à l’enthousiasme, à l’élégance et qu’on se prend ça entre les oreilles alors qu’on lance un album dont on n’attendait rien de particulier… C’est un sentiment merveilleux.

Fitness Forever donc. Un groupe originaire de Naples. 6 puis 7 membres dont un leader, Carlos Valderrama, aussi suave et technique que son homonyme footballeur.

Le premier album, Personal Train, est une déclaration d’intention:

De la jangle pop, des harmonies vocales, un instrumental morriconien, un titre disco: le groupe a mis toutes ses influences dans ce premier album, qui ressemble donc très exactement à un premier album (influences transparentes, enthousiasme et une maladresse charmante). Superficiel, sucré et primesautier à l’extrême, il est la bande-son d’une Italie fantasmée, celle des scooters rutilants qui parcourent les ruelles de Vérone, des gelati mangés en bord d’Adriatique ou des twists endiablés sur une terrasse de bar à Amalfi. C’est The Free Design en goguette à Sestri Levante, Burt Bacharach en vacances dans le Grossetto.

Avec Personal Train, Fitness Forever fait donc son entrée dans les groupes auteurs de la bo de l’endless summer. Avec toujours, au détour d’un changement d’accord, et comme sur tous les disques de la même catégorie, une pointe de mélancolie, celle qui révèle la conscience de l’impossibilité de cet endless summer. Un régal pour rétro-fétichistes.

4 ans après, avec son 2ème album, Cosmos, Fitness Forever franchit clairement un palier:

On prend les mêmes ingrédients (pop sixties, sunshine pop, pop orchestrale, refrains accrocheurs) et on ajoute un soupçon disco et brasilou, via une influence Marcos Valle assez évidente. Résultat: moins ouvertement rétro, moins estampillé 60s, Cosmos déroule un genre de musique totale, de pop totale en tout cas, à l’excellence et à la maturité assez dingues.

L’album s’ouvre sur un instrumental d’une suavité et d’une élégance qui donnent le ton et affirment des influences mieux digérées et une plus grande maturité dans l’exécution des morceaux, une sorte de virtuosité tranquille. On peut légitimement penser à des High Llamas italiens, ou à cet autre groupe merveilleux qui a ravi l’internationale pop en son temps et qui a aujourd’hui disparu, les canadiens Heavy Blinkers. Un album à la fois ludique et élégant, sophistiqué et immédiat. Parfait, jusqu’à sa pochette.

Le 3ème album, Tonight, est sorti fin 2017 en Italie, début 2018 en France.

Là on est davantage dans l’exercice de style, comme sur le 1er album: italo-disco toute (ou presque), jusqu’à la pochette. Cuivres rutilants, basses gouleyantes, guitares funky: ça gwooooove. C’est un peu la musique dont s’est inspiré Phoenix pour tout l’imagerie, à la fois cheap et chiadée, de son dernier album, Ti Amo. Une imagerie un peu pupute mais toujours classe (comme la pochette de l’album) et une musique au diapason, qui jamais le laisse de côté la composition et les chansons, toutes plus accrocheuses les unes que les autres.
2 grands moments sur Tonight: Canadian Ranger, euphorique et mélancolique comme le meilleur ABBA

et la conclusion, Carlo, un mid-tempo qui fait s’allier Bertrand Burgalat, Brian Wilson et Sean O’Hagan pour concourir au festival de la chanson de San Remo.

Sublime.

En 3 albums à la fois très cohérents et différents les uns des autres, Fitness Forever réaffirme une chose qu’on a tendance à oublier: l’Italie est une terre d’accueil pour les amoureux de la pop. Pas seulement sur un plan esthétique: la langue elle-même se prête merveilleusement aux mélodies sucrées, aux harmonies vocales. Composée et exécutée par des musiciens manifestement aguerris et virtuoses (le leader, Carlos Valderrama fut musicien dans un groupe de croisière, rien de mieux pour toucher à tous les styles j’imagine), la musique de Fitness Forever est à la fois érudite et immédiate, pop au sens propre encore une fois. Elle n’a pas peur d’évoquer des sentiments forts et de le faire de manière très frontale: d’aucuns parleront sans doute de sentimentalisme ou de mièvrerie mais je ne le vois pas du tout comme un défaut, au contraire. C’est de la pop, des chansons d’amour, il FAUT être sentimental.
Très référencée (j’ai cité beaucoup de noms à dessein), cette musique parvient néanmoins à une synthèse remarquable dont le résultat est véritablement unique à l’heure actuelle, sur le fond et sur la forme. C’est la bande son d’une journée d’été, chaude, radieuse, dont la plénitude porte néanmoins un soupçon de mélancolie, celle des journées déjà plus courtes du mois d’août, de la conscience qu’il faudra bientôt remiser espadrilles, t–shirts et maillots pour aller s’enfermer dans un bureau. L’illusion de l’endless summer encore une fois. Mais une illusion qui ne doit en aucun cas nous empêcher de danser, rire, aimer.

Fred Pallem & le Sacre du Tympan + Forever Pavot – Le Metronum, Toulouse

Affiche de rêve, on peut le dire, pour le Disquaire Day 2018 de Toulouse, dont le « thème » était François de Roubaix : Fred Pallem & le Sacre du Tympan lui ont consacré un album, Forever Pavot en est l’un des plus dignes héritiers. A 5€80 le billet d’entrée, on croit même rêver…

Du coup, je suis très surpris de me joindre à une assistance relativement clairsemée là où je m’attendais à devoir jouer des coudes. Surpris et un peu désabusé, ou résigné : que cette double affiche, à ce prix là, dans ce qui est sans doute la salle la plus confortable de Toulouse (inaugurée en 2014, donc encore neuve pour ainsi dire, acoustique parfaite, ligne de métro qui mène directement à 200m de la salle etc.) attire aussi peu de monde… Je sais bien que le rock (au sens large) est le nouveau jazz mais putain… Bon, ça signifie qu’on peut s’installer tranquillement à l’avant de la salle, sans jouer des coudes encore une fois.

C’est Fred Pallem qui attaque. Si elle compte en son sein quelques fidèles, son Sacre du Tympan est une formation à composition variable : ce soir par exemple, on remarque notamment le clavier Vincent Taurelle que j’avais pu voir aux côtés de Air pour leur tournée 20 years et le Housse de Racket Victor Le Masne à la batterie. New Balance aux pieds, t-shirt Bitches Brew, Pallem est, de même que tout son groupe, en mode casual; davantage en tout cas que lors de pas mal de leurs prestations.

Ils attaquent à 5 « seulement » et malgré une salle à moitié vide à leur entrée en scène (ça va correctement se garnir petit à petit) on comprend tout de suite qu’ils sont pas venus pour beurrer les tartines : hyper en place d’emblée, ils balancent 2 premiers morceaux qui constituent une sorte de fantasme personnel, tout en claviers vintage et basse au médiator, entre Air, Burgalat… et de Roubaix évidemment, puisque la setlist est entièrement constituée de ses compositions. On peut dire que ça joue. Que ça joue TRES BIEN, et c’est un euphémisme. Régalade.

Manque un clavier sur la photo, Vincent Taurelle, il était un peu isolé sur la gauche. Et surtout, je sais pas cadrer.

Pallem introduit ensuite les 3 cuivres qui rejoignent le groupe sur scène et, logiquement, le concert passe encore la vitesse supérieure. Même si j’ai une petite préférence pour ce que le groupe propose en formation réduite, difficile de ne pas s’incliner devant tant de maîtrise, de musicalité… de talent, tout simplement. C’est même assez énorme en vérité, c’est pas tous les 4 matins qu’on a l’occasion d’assister à un concert de ce type et de cette qualité… Il y a quelque chose de profondément généreux dans la démarche de cet homme et de sa formation, qui s’attachent à mettre en valeur la musique des autres mais également à abattre les barrières entre rock, jazz, funk, soul etc. C’est beau.
Simple préférence personnelle là encore, je retiendrai notamment le génial medley de L’Homme orchestre, une de mes bo favorites de François de Roubaix. Piti piti pa.

Avant de quitter la scène sous des applaudissements très nourris, pour ne pas dire une véritable ovation bien méritée, Fred Pallem annonce Forever Pavot, « sans doute le meilleur groupe en France actuellement » pour reprendre ses propres mots.

Un gros quart d’heure plus tard, le quintet d’Emile Sornin doit donc doublement se montrer à la hauteur : du compliment, et d’une première partie pour le moins impressionnante.

Et comme précédemment, on comprend très vite que les gars ont parfaitement saisi le message : ça joue bien, TRES bien là aussi. Si la filiation avec de Roubaix, et la parenté avec le Sacre du Tympan sont évidents, Forever Pavot se situe dans un créneau plus « rock » (à défaut d’un meilleur terme), plus ouvertement psyché également : les morceaux (très majoritairement ceux du 2^ème album, La Pantoufle) sont étirés jusqu’à l’absurde (la dimension Katerinesque de ce même 2ème album) et surtout joués de manière très agressive. Ca joue bien donc, mais surtout, ça joue méchant (quel son de guitare incroyable !). Super bassiste également, à la sympathique tête de rôliste, comme si l’un des potes nerds d’Hervé dans Les Beaux gosses, était devenu musicien. Petit plaisir perso de music nerd justement, il jouait sur la même Fender verte que Nicolas Godin de Air, ça fait plaisir, tsé.

Super prestation donc là aussi, agressive donc mais toujours souple et sur un mode très détendu: s’ils s’amusent à un moment d’avoir eu la pression de devoir passer après leurs talentueux aînés, ils n’ont jamais fait ressentir une quelconque tension ni concentration inhabituelles. Juste énormément de talent là encore.
Le dernier morceau, Miguel El Salam (tiré du 1er album lui) , s’achève sur une longue jam assez dingue nous menant vers des rivages Airiens, voire Tame Impalaesques : loin de l’image de revivalistes pompidoliens à laquelle on les cantonne parfois, les gars de Forever Pavot sont avant tout des musiciens supérieurement doués et inspirés qui ne se fixent, eux non plus, aucune limite de style, de genre ou de format. Ca calme en tout cas.

Une bien belle soirée donc pour employer un nouvel euphémisme, et surtout le sentiment d’avoir été chanceux d’assister à un telle affiche.

Juliette Armanet – Le Bikini, Toulouse

2ème passage à Toulouse en moins de 4 mois à peine pour la nouvelle Petite amie de la chanson française. Après le Metronum (salle moyenne) et le Bikini (salle moyenne + ), prochaine étape le Zenith sans doute. Elle aurait d’ailleurs très bien pu y jouer je pense : le Bikini affichait complet une semaine avant le concert et il a été malgré tout décidé de mettre quelques places supplémentaires en vente le jour même. Inédit en ce qui me concerne… Inédit aussi, de mémoire, les portes de la salle ont été laissées ouvertes pour qu’un maximum de personnes puissent assister au spectacle : de fait, pas mal se tenaient dans le sas séparant la salle du hall d’entrée… Tout ça pour dire que les Victoires de la Musique ont évidemment boosté le succès d’un album qui se portait déjà très bien.

Alors c’est pas du tout pour me justifier parce que j’aime vraiment beaucoup certains titres de l’album et que je comprends pas trop le backlash snobinard dont Juliette Armanet fait l’objet depuis quelques mois mais si j’ai choisi d’aller à ce concert, c’est aussi voire surtout parce que j’espérais y voir Ricky Hollywood en 1^ère partie. Ricky Hollywood aka Stéphane Bellity, ma révélation française et un de mes albums favoris de l’an dernier, est batteur sur sa tournée et il en assure parfois la 1^ère partie.

Mais pas ce soir à mon grand dam : apparemment un concours a été organisé et c’est un gus seul avec sa guitare et quelques effets qui apparaît sous mes yeux lorsque je pénètre dans un Bikini déjà bondé. De loin je trouve qu’il ressemble à Amir et c’est évidemment pas de bon augure. D’ailleurs le type reprend Dormir dehors de Daran et les chaises, c’est dire si on s’en cogne. Il remercie ensuite les organisateurs, Armanet, le Bikini, « surtout après l’explosion d’AZF, c’était pas facile de repartir sur un nouveau projet, c’est pas facile de reconstruire de la chaleur humaine ». Non, c’est pas facile. Un autre truc qui est pas facile : se produire sur scène.

L’entracte dure pratiquement trois quarts d’heure… C’est pourtant pas le genre de concert au cours duquel le bar va pouvoir écouler moult fûts : le public est plutôt jus de pomme. Très féminin évidemment, ça (me) change. Très Grazia. Ca n’empêche pas des odeurs corporelles pas très Petite amie de parvenir à mes narines pourtant pas très sensibles : quelqu’un profite de la forte densité et de la promiscuité pour se laisser aller. A plusieurs reprises. « I can taste it. On my tongue. »

Après quasiment 45 mns donc, le noir se fait et un morceau de Prince retentit (j’ignore lequel, je maîtrise mal le dossier) : le groupe entre en scène et se lance dans un instrumental funky/soft rock des plus moelleux. Les silhouettes des 4 musiciens se découpent sur un beau rideau lamé qui prendra des couleurs tantôt rouges, tantôt bleutées ou dorées : c’est tout simple et très réussi.

La védette les rejoint au bout de quelques mesures, en costume lamé elle aussi, sous une belle ovation. Après avoir salué, elle s’assied derrière son piano et se lance dans Manque d’amour, un de mes morceaux favoris de l’album. Balance approximative (ça sera vite corrigé) mais ça l’effectue. Le groupe est très compétent (euphémisme), bien rôdé (itou) et Juliette Armanet chante parfaitement dès les premières notes.

Ca restera sur ce mode pendant pratiquement 1h30 : incroyable qu’elle joue aussi longtemps avec un répertoire composé d’un seul album, plutôt court qui plus est. C’est bien. C’est tout ? Oui… C’est un peu le problème : c’est bien mais c’est seulement bien. Pas transcendant… Je suis sans doute pas assez fan pour être véritablement transporté j’imagine.

Sur Alexandre, elle fait monter sur scène un type prénommé Alexandre.

Bon, y a un petit truc qui me tient un peu à distance : c’est la distance précisément, qu’elle met parfois lors de sa prestation. Je ne parle pas de son stage banter, qui joue régulièrement sur l’auto-dérision mais de la dérision, du second degré qu’elle introduit dans son interprétation de certains morceaux: sur le superbe Star triste ou sur Samedi soir dans l’histoire, c’est comme si elle se sentait obligée d’en rajouter dans la gestuelle, les attitudes, les intonations, le jeu avec le public pour signifier que oui-ok-c’est-un-peu-cheesy-mais-c’est-un-peu-pour-rire-hein-attention.

C’est dommage selon moi. Sur l’album, on n’a pas cette distance justement, et pour cause, et c’est en partie ce qui fait sa réussite: les plans les plus retro, les morceaux les plus disco et les moins intimes a priori ne s’excusent jamais de l’être et c’est précisément parce qu’ils sont eux aussi exécutés avec la plus grande sincérité qu’ils fonctionnent. Je pinaille et c’est peut-être un sentiment tout personnel mais ça m’a empêché d’être pleinement « dedans » à plusieurs reprises.

Le groupe a quitté la scène sur une belle reprise du I feel it coming de The Weeknd–Daft Punk, francisée en « Je te sens venir (en moi) » (ça je suis moins sûr). La soirée s’est définitivement close sur une belle version piano-voix de A la folie, autre moment fort de Petite amie. Et c’était une belle soirée malgré tout.

#95 Dionne Warwick – Sings the Bacharach & David Songbook

J’ai également acheté ce CD lors de mon 1er séjour à Londres. Là encore, c’est sans doute pas le meilleur choix qui soit mais c’est comme ça. Malgré un son un peu hasardeux, des enregistrements de qualité variable et quelques omissions dans la tracklist, c’est le disque qui m’a fait découvrir les compositions de Burt Bacharach et ça évidemment, ça ne s’oublie pas facilement. Qui plus est, parmi les innombrables interprètes de ses chansons, Dionne Warwick est celle que je préfère, de très loin (avec Dusty Springfield). Je rappelle aux jeunes générations qu’elle est, enfin, était, la tata de Whitney Houston. Et qu’elle est toujours vivante, de même que Burt Bacharach.

#92 Teenage Fanclub – Songs From Northern Britain

C’est Grand Prix, leur précèdent album, qui est généralement cité comme LE chef d’oeuvre de Teenage Fanclub mais, même si à ce niveau d’excellence et d’appréciation ça veut pas dire grand-chose, je lui préfère celui-ci. Start Again, c’est comme The Concept : à la fois une ouverture parfaite et une de mes chansons préférés tous artistes et périodes confondues. Quant à I don’t want control of you je la tiens, très objectivement (je le pense), pour une des plus parfaites pop-songs jamais écrites.

Tout ça pour dire : Grand Prix, oui, bien sûr mais Grand Prix c’est un peu l’album de la « révolution » (on baisse le volume, on monte les harmonies vocales). L’album de la perfection, c’est celui-ci selon moi.

#71 The Raspberries – Collectors Series

Sorte de pendant américain de Badfinger, les Raspberries avaient une même passion pour les Beatles mais un penchant peut-être plus prononcé pour le rock’n’roll des origines et les guitares saignantes. Mais ici aussi, en termes d’harmonies et de mélodies, c’est du très, très haut niveau. Et c’est un euphémisme.
J’aurais pu choisir n’importe lequel de leurs 4 albums en vérité, ou même les 4 mais cette compilation en fournit un excellent résumé. Et c’est grâce à elle que j’ai découvert ce merveilleux groupe.

Enfin, si tu crois n’avoir jamais entendu parler de ce groupe, tu connais son leader/chanteur, Eric Carmen (le 1er en partant de la gauche) : il est l’auteur et interprète de l’immortelle scie All by myself. Que je ne déteste pas pour être tout à fait honnête.

#29 Jason Falkner – Presents Author Unknown

Beaucoup de « D » au bout du compte dans mon top mais pas de Dylan :toocoolforschool: Je citerai encore une fois Nick Hornby dans son recueil 31 songs cette fois :

« Je possède bien évidemment Blonde on Blonde et Highway 61 Revisited. Ainsi que Bringing It All Back Home et Blood on the Tracks. Tout amateur de musique a ces 4 albums dans sa discothèque. Et je m’intéresse également assez à Dylan pour avoir acheté les volumes 1 à 3 des Bootlegs series et cet album live dont on sait aujourd’hui qu’il n’a pas été enregistré au Royal Albert Hall »

Il continue comme ça pendant un gros paragraphe en citant une dizaine d’albums de Dylan qui font également partie de sa discothèque.

« Certaines personnes – ma mère par exemple, qui n’a pas plus de vingt CD en tout et pour tout – en concluraient que je suis un fan de Dylan. Or, des fans de Dylan, j’en connais, et ils ne reconnaitraient pas l’un de leurs en moi. […] Je ne connais aucun texte de ses chansons en entier – juste un ou deux vers par-ci, par-là. Je ne considère pas que Dylan soit plus important ni plus talentueux qu’Elvis Presley, Marvin Gaye, Bob Marley ou plusieurs autres artistes majeurs […] Simplement, j’aime bien quelques mélodies, ce qui, ai-je été amené à croire, ne suffit absolument pas. » (31 songs, pp 53,54,55)

Ca ne lui suffit pas non plus pour intégrer mon top et crois moi qu’il doit bien avoir les boules à l’heure qu’il est mais tant pis pour lui, c’est la vie, eh oh c’est bon, il va s’en remettre quand même.

Donc le disque suivant dans mon top est ce sublime exemple de power pop anglophile qui n’aura malheureusement pas vraiment de suite digne de ce nom. Jason Falkner est un musicien supérieurement doué dont on s’est très rapidement arraché les services (Air, Beck, McCartney, Glenn Campbell pour ne citer que les plus illustres), au détriment sans doute de sa propre carrière d’auteur-compositeur. C’est dommage car ce 1er album tutoie la perfection : il fait partie de ceux auxquels je pense immédiatement lorsque je cherche un album qui équilibre à parts égales pop, rock et folk.

#27 The Divine Comedy – Liberation

Il y a 20 ans, Neil Hannon incarnaitt un peu le messie. En période post-grunge et pré-Britpop, avec donc une « pop » pure et dure un peu en berne, l’apparition d’un petit mec qui prétendait vouloir se mesurer à Burt Bacharach ou Scott Walker, et qui semblait en mesure de s’élever au niveau de son ambition, ça faisait du bien.

Aujourd’hui Neil Hannon n’intéresse plus grand monde (c’est dommage mais c’est pas le sujet) : il faut pourtant retourner à ses premiers disques, et notamment à celui-ci, magistral condensé de pop ambitieuse, sophistiquée et classieuse.

Liberation donc. Un titre presque trop évident pour un premier album en forme de déclaration d’intention mais surtout de jaillissement. Avant un final d’un lyrisme tout anglo-saxon, rentré et frémissant, le feu sous la glace. Et toutes guitares dehors ! C’est le beau paradoxe de Liberation que de s’achever sur une forme plutôt « traditionnelle » (comprendre : on y entend beaucoup les guitares) alors qu’il n’aura été jusque là qu’un vibrant plaidoyer pour cordes, cuivres, hautbois, harpe, clavecin. La doublette Queen of the South / Victoria Falls notamment, ne cesse de me fasciner.

Le deuxième album de Divine Comedy, Promenade, enfonce le clou d’une pop de chambre précieuse et snob, loin, très loin des canons traditionnels de l’époque. Un album que j’adore également et que j’ai failli substituer à celui-ci pour la seule Summerhouse, très très haut dans le top des chansons qui me laissent en lambeaux à chaque écoute.

Le suivant, Casanova, est plus outré, plus léger, plus grand-guignolesque mais tout aussi virtuose, avec notamment la meilleure imitation de Scott Walker imitant Jacques Brel jamais enregistrée (The Dogs and the Horses).

Ensuite, mis à part sur le EP A Short Story About Love, parfois terrassant, Neil Hannon s’est perdu dans ses fantasmes symphoniques (le pénible Fin de Siècle). Il a tenté de se réinventer sous la férule du tout aussi pénible Nigel Godrich mais ça ne fonctionnait pas.
Il est finalement revenu à ce qu’il sait faire de mieux, tout en ne cédant plus aux sirènes de la grandiloquence et en gardant constamment une certaine légèreté : ces 2 derniers albums, passés inaperçus, démontrent toujours un savoir-faire assez bluffant.

#26 The Diggers – Mount Everest

Je mettrais cet album sur le même plan que la 1ère entrée de mon top 100 : un disque foncièrement anecdotique mais parfait dans son genre. Par ailleurs, les 2 sont des albums de pure pop et ils sont l’œuvre d’Écossais.

L’album des Diggers lorgne nettement moins du côté de la power pop et nettement plus du côté des glorieuses mid-60s. Ca zieute au Sud vers les The Beatles et à l’Ouest vers les The Beach Boys. C’est produit par un High Llama (Charlie Francis pour les esthètes). C’est l’unique album sorti par le groupe en pleine effervescence Britpop et il a fait un bide. Voilà pour les faits.

Après… Comme pour 18 Wheeler, on est clairement dans la subjectivité pure et dure. Mais je n’en démords pas : ça fait 15 ans que j’écoute ce disque avec la même envie et le même plaisir. Ca là par exemple : « baby it’s ok, baby it’s alright », faut être sacrément costaud pour ce lancer là-dedans, sous cette forme là, passé 1968. Les « oh oh oh yeah yeah » de l’outro me collent toujours le même sourire après toutes ces écoutes.

Mount Everest est tout à tour euphorisant et mélancolique (il a l’élégance de finir sur une note euphorisante et des « papapa » que tu vas vite reprendre en choeur), il est bien troussé, bien interprété, bien produit, c’est la Pop avec un grand P et c’est donc parmi ce que la vie peut t’offrir de meilleur.

#18 Cardinal

Cardinal - premier album — *Très fan de cette pochette et du regard caméra d’Eric Matthews.*

Ce disque est lié à un réveillon de Noël. Je venais de l’acheter sur la foi de la critique des Inrocks (ie les Saintes Ecritures à l’époque) ou de l’avis de Bernard Lenoir, je sais plus. Je n’avais pas eu le temps de l’écouter avant de me rendre chez mes parents pour les traditionnelles vacances de fin d’année, je l’ai donc passé pendant la soirée. Et il était étonnamment bien passé, ça je m’en souviens bien. « Étonnamment » parce que c’était pas vraiment le genre de la maison que d’écouter de la musique pendant la soirée du réveillon, encore moins de la musique inconnue aux oreilles de tout le monde. On était de toute façon trop nombreux et bruyants pour ça. Voilà pour le contexte personnel.

Le disque a merveilleusement traversé les années : il avait dès sa sortie des allures de classique instantané, à la fois accessible parce qu’évident et un peu intimidant parce que très élégant. Il équilibrait parfaitement une certaine sècheresse rock (Richard Davies) et une préciosité pop (Eric Matthews). A l’époque, alors qu’on était encore bien envahi par le grunge, et pas encore par la britpop, c’était pas commun.

Les 2 compères se sont ensuite épanouis dans des carrières solo parfois himalayesques (oui oui, « himalayesques » ; j’y reviens plus loin), se refusant à donner une suite à leur aventure commune. Jusqu’à l’an dernier (ou l’année d’avant ? J’ai la flemme de vérifier) et un deuxième album intitulé Hymns. Décevant, forcément décevant, surtout après une si longue attente. Largement recommandable quand même. Disons que les 2 sont pour le moins compétents lorsqu’il s’agit d’écrire une chanson donc ça va, ça s’écoute.
M’enfin, si tu ne connais ni Cardinal, ni Richard Davies, ni Eric Matthews, c’est par ici qu’il faut commencer.